Oliver Esquivel / RUBICk. El proceso y la construcción

RUBICK

El proceso y la construcción

Oliver Esquivel

Curador: Leonardo Ramírez

Festival Internacional Cervantino

Del 15 de octubre al 18 de diciembre de 2009

Galería Jesús Gallardo

Planta alta

Pedro Moreno 202, esquina Hermanos Aldama

León Guanajuato

Centro Histórico

México

En el más reciente trabajo de Oliver Esquivel (Aguascalientes, Ags, 1979) “Rubick, el proceso y la construcción”, se desarrolla una pieza tridimensional desarmable a partir de una idea de pintura -lego- rompecabezas realizada sobre 120 cubos de madera de 30 cm por cada lado.

Esquivel ha desarrollado un interesante planteamiento formal dotando a la pintura de un carácter escultórico de grandes dimensiones, permitiendo que su obra proponga una serie de cuestionamientos más allá de la pura percepción retiniana. En cada una de las cuatro capas frontales del cubo, Esquivel realizó enormes retratos de su amigos cercanos en poses teatralizadas y exageradas, ligándolos por medio de esquinas “puente” que incorporan una imagen al discurso de la siguiente imagen, logrando un lectura lineal y fluida.

Al eliminar ciertos fragmentos de la totalidad del cubo se deja al descubierto la estructura interior del “rubic” sólo que en lugar de mostrar los tensores que unen a los cubos, se presentan una serie de bocetos en dibujo aludiendo a la estructura que hace que la pintura se forme.

Es interesante notar el proceso de trabajo de Oliver Esquivel; el artista no ensucia sus colores, deconstruye la imagen haciendo que esta se forme por cientos de pequeños fragmentos cromáticos que al unirse generan una imagen nebulosa. La cercanía con la obra, evidencia un tipo de pincelada precisa y premeditada, estudiada desde el dibujo y jerarquizada con un método muy cercano a la pintura por números. El resultado de este proceso resulta tener gran cercanía con el trabajo del pintor mexicano Saúl Villa o con los procedimientos artísticos del gran pintor norteamericano Chuck Close.

Al ser presentada la pieza se divide en pequeños fragmentos como una explosión cúbica de varias capas, invadiendo la sala y permitiendo que con ciertos trozos de información podamos construir las imágenes completas, y al mismo tiempo deambular libremente por el espacio de exhibición, en medio de cubos flotantes y dentro de un ambiente neutro y frío, lo que hace al público obtener una muy novedosa perspectiva de una serie de retratos bidimensionales.

Leonardo Ramírez

IMÁGENES DE LA EXPOSICIÓN

Este proyecto fue realizado gracias a la beca de creadores con trayectoria del Instituto Cultural de Aguascalientes

Esta muestra contó con el valioso apoyo y

la participación de las siguientes instituciones y personas:

Consuelo Saizar

Presidenta del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes

Lidia Cacho

Directora general del Festival Internacional Cervantino

Gloria Maldonado Ansó

Subdirectora de Artes Visuales del Festival Internacional Cervantino

Catálogo de Artes Visuales 2009

Disponible en la librería de la Galería Jesús Gallardo

y en las oficinas del Festival Internacional Cervantino

Fanatic from Hell / Patrick Mallow - Javier Pulido

"Fanatic from Hell by Patrick Mallow"

Del 15 de octubre al 18 de diciembre de 2009

Festival Internacional Cervantino

Videosala de la Galería Jesús Gallardo.

Pedro Moreno 202, esquina hermanos Aldama.

Centro

León, Guanajuato

México

Barroco y Glam

¡Qué es la cultura sino un tejido de referencias improbables, la interacción horizontal y sin motivos estructurales de ideas, contextos sociales, imágenes parciales y frases sueltas en el goce de la promiscuidad del significante? Hasta ayer, al que esto escribe le hubiera parecido delirante querer meter enun solo párrafo a Kurt Cobainy Cristobal de Villalpando, Juan Correa y Marylin Mansón, al barroco y al Glam, el metal y el tenebrismo. Pero ese es precisamente el cóctel que Patrick Mallow ofrece.O quizá es mejor decir: esa es la fórmula del cacofónico sincretísmo presentado bajo el nombre fabricado de “Patrick Mallow”

Según el “rockumentary” Fanatic from hell, (2005), Patrick Mallow es un rockero residente en Londres, que había adoptado un nombre artístico que honra al santo patrono de Irlanda lo mismo que a su pueblo natal, y que aún se proclama creyente en la promesa de la transgresión, alternatividad, exitación y negatividad del rock. Obsesionado al mismo tiempo por la afectación del barroco pictórico, la artificialidad y el exceso de KIss, Ozzy Osbourne y Kurt Cobain y en general del deslizamiento gótico del gusto y pasiones de la cultura actual. Mallow había optado por conjuntar un doble estrellato: el del pintor que transforma la galería Saatchi en un templo de la religión metálica y la del último enemigo del convensionalismo burgués, un personaje que como la patti Smith del video rock is my religión ( 1982 -89) de Dan Graham, prolonga los dilemas maniqueos del cristianismo en la búsqueda de la trascendencia de la cultura juvenil de la posguerra(…)

(…) A Patrick Mallow le viene perfectamente la frase con que en su rocumentary Javier Pulido describe a Marylin Manson: es claramente un producto, pero bueno.

Cuahtémoc Medina

Periódico Reforma (2006)

VIDEO STILLS

Esta muestra contó con el valioso apoyo y la participación de las siguientes instituciones y personas:

Arena México Arte Contemporáneo

Consuelo Saizar

Presidenta del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes

Lidia Cacho

Directora general del Festival Internacional Cervantino

Gloria Maldonado Ansó

Subdirectora de Artes Visuales del Festival Internacional Cervantino

Catálogo de Artes Visuales 2009

disponible en la librería de la Galería Jesús Gallardo y en las oficinas del Festival Internacional Cervantino

Telúrico, un espacio sísmico para la producción de arte y sus derivados

Telúrico

Un espacio sísmico para la producción de arte y sus derivados

Idea general del proyecto: Leonardo Ramírez e Irazú Páramo

Del 15 de octubre al 18 de diciembre de 2009

Galería Jesús Gallardo /Sala blanco y negro

Pedro Moreno 202, esquina Hermanos Aldama

León Guanajuato, Centro Histórico

Con telúrico iniciamos una serie de proyectos que involucran directamente los contenidos de nuestras salas de exposición con actividades dinámicas que generan el acercamiento directo con el fenómeno de la creación y del arte. De esta manera este proyecto no tendrá una sede fija y podrá presentarse como un “producto” que puede adaptarse a casi cualquier circunstancia o evento.

En este primer proyecto de “telúrico” reunimos una serie de materiales para construir una exhibición de arte, de esta manera los asistentes pudieron entender lo que es desarrollar un proyecto museográfico para una exposición de arte, generar un ready made, vestirse de rockstars, producir un mural dibujado en la pared, seguir instrucciones para elaborar una caricatura o armar un rompecabezas cúbico.

En este telúrico tomamos como referencia la experiencia de visitar las exposiciones:

Generación espontánea

De Broadway a Nueva York, Matías Santoyo y el cine

Fanatic from hell de Patrick Mallow / Javier Pulido

Let´s get busy pump it up de Silvia Prada y Rubick el proceso y la construcción de Oliver Esquivel.

De León a Broadway y de regreso, cinco pasos para cartoon, 2009

Basados en la obra del dibujante Matías Santoyo

Mesa de madera, instrucciones, hojas de papel y colores.

Vista general de telúrico

Mural en negativo, 2009

Basados en la obra de Silvia Prada

Gises, proyección y acetatos sobre muro pintado en color negro

¡Bon appetite, Monsieur Duchamp!, 2009

Basados en las piezas de la exposición “Generación espontánea”

Objetos encontrados y materiales varios sobre plataformas blancas

Rompecabezas, 2009

Basado en la obra Rubick el proceso y la construcción de Oliver Esquivel

Bases de madera y 5 reproducciones rotuladas de los artistas:

Julian Opie, Andy Warhol, Jim Dine, Robert Indiana y Yoshitomo Nara.

Realización Armando Anaya, Carlos Alberto Martínez y alumnos de servicio Social

Primal Fear, metal forever!!!!, 2009.

Basados en la pieza “Fanatic from Hell” de Patrick Mallow / Javier Pulido

Vestuario, pelucas, accesorios, video, escenario y parafernalia para acción performativa.

Medidas variables 5 minutos de duración aproximadamente

CAVI

Idea general del proyecto:

Leonardo Ramírez e Irazú Páramo

Diseño de museografía:

Edmundo Castro y Leonardo Ramírez

Producción

Armando Anaya y Carlos Martínez

Registro y control de obra

Maria Esther Jaime

Servicios educativos:
Irazú Páramo

Asistencia y relaciones públicas

Rafael Centeno

Registro fotográfico

Leonardo Ramírez

Fabricación de vestuario y pelucas

Rafael Centeno

De Michoacán a Broadway Matias Santoyo y el cine

De Michoacán a Broadway, Matías Santoyo y el cine

Curadora: Elisa Lozano

Festival Internacional Cervantino

Del 15 de octubre al 18 de diciembre de 2009

Galería Eloísa Jiménez

Portal Delicias sin número

Zona Peatonal

Centro

León, Guanajuato.

México

Matías Santoyo.

Semblanza

Escasamente mencionado por los historiadores del arte, el michoacano Matías Santoyo es en nuestros días más conocido por su efímero romance con Nahui Ollin que por su fecunda obra que abarca varios campos de acción.

En la Universidad Nacional, Santoyo cursó algunos semestres de la carrera de medicina, los abandonará pronto para dar rienda a su vocación artística. Los trabajos tempranos de Santoyo se localizan en la revista La Antorcha, el semanario dirigido por José Vasconcelos, y en el periódico El Demócrata. Pronto la singular forma para captar el gesto de personajes en pocos trazos llama la atención de editores que lo invitan a colaborar en Revista de Revistas, El Universal Ilustrado, entre otros.

En 1926 becado por la Universidad Nacional de México, el joven pintor parte a los Estados Unidos junto con el ceriescultor Luis Hidalgo, como representante de la revista Grecas. En la urbe de hierro se relaciona con Miguel Covarrubias, Rufino Tamayo y el escritor José Juan Tablada, a quien auxilia en la organización de eventos culturales e ilustra libros. Durante esa primera estancia, Santoyo logra exponer varias veces y publica revistas de gran circulación como Life, The New Yorker, Theatre Magazine.

De regreso a México, participa en otras exposiciones, y conoce a Carmen Mondragón, la polémica Nahui Ollin, con quien entabla una apasionada, efímera pero muy fructífera relación, como muestran las obras gráficas en las que ambos se plasman. Con ella parte de nuevo a los Estados Unidos, expone en el Museo de Brooklyn, y participa en la puesta en escena de la célebre comedia musical “Rio Rita” montada por Florenz Ziegfeld en Broodway, participación con la que alcanza gran celebridad en el país del norte.

De regreso a México, Santoyo colabora con su admirado Ernesto “el chango” García Cabral en el semanario “Fantoche”, ahí publica dibujos de la cultura popular. En 1931, actúa en la cinta Zítari, del director Miguel Contreras Torres, experiencia que repetirá en otras películas del periodo como Profanación (Chano Urueta, y Juan Soldado. Para la poderosa compañía Metro Goldwyn Meyer interviene como censor y dibujante de los créditos del film Viva Villa (Jack Conway, 1934).

En los años posteriores Santoyo interviene en exposiciones, pinta murales para el Hotel Regis, el Hotel “Rosarito Beach” y en casas de políticos. Su pintura de caballete se caracteriza por un estilo figurativo costumbrista, el gusto por los personajes populares y el paisaje local.

Los últimos trabajos localizados son dibujos publicitarios y promocionales de las películas Los millones del Chaflán o Ni sangre ni arena. Su obra está dispersa en archivos y coleccionistas de México y Estados Unidos. Se desconoce la fecha de su muerte.

Es la primera vez que en México se organiza una exposición individual sobre este artista, cuyo obra se encuentra dispersa en archivos público y colecciones privadas.

Elisa Lozano

Ciudad de México

2009

IMÁGENES DE LA EXPOSICIÓN

Esta muestra contó con el valioso apoyo y la participación de las siguientes instituciones y personas:

Taller Ernesto García Cabral

Universidad Nacional Autónoma de México

- Biblioteca y hemeroteca Nacional

- Instituto de Investigaciones sobre la Universidad y la Educación

- Instituto de Investigaciones Filológicas

- Filmoteca

Biblioteca Miguel Lerdo de Tejada

Museo de Brooklyn

Universidad de Harvard

Rafael Barajas “El Fisgón”

Mercurio López Casillas

José Antonio Rodríguez

Miguel Ángel Morales

Selva Hernández

Alberto Verjovsky Paul

Álvaro Vázquez Mantecón

Consuelo Saizar

Presidenta del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes

Lidia Cacho

Directora general del Festival Internacional Cervantino

Gloria Maldonado Ansó

Subdirectora de Artes Visuales del Festival Internacional Cervantino

CAVI

Diseño de museografía:

Edmundo Castro y Leonardo Ramírez

Producción

Armando Anaya y Carlos Martínez

Diseño Gráfico

Guillermo Arana

Registro y control de obra

Maria Esther Jaime

Servicios educativos:
Irazú Páramo

Asistencia y relaciones públicas

Rafael Centeno

Registro fotográfico

Leonardo Ramírez

Fabricación de vestuario

Patricia Andrade

Catálogo de Artes Visuales 2009

Disponible en la librería CAVI, León, Guanajuato y en las oficinas del Festival Internacional Cervantino de las ciudades de Guanajuato y México.

NAN Goldin

Nan Goldin

Curadores: Kerstin Erdman y

Carlos Ashida

Con la colaboración de Randy Walz y Leonardo Ramírez.

Del 30 de julio al 27 de septiembre de 2009

Galería Jesús Gallardo planta alta

Pedro Moreno 202, esquina Hermanos Aldama

León, Guanajuato, Centro.

México

Ver / Nan Goldin

[….]

ojos que nada ven, almas que nada esperan.

Carlos Pellicer

Para ver hay que abrir los ojos y no cerrarlos. Aunque de apariencia engañosamente obvia y fácil de cumplir, todo está en contra de esta simple indicación. El tedio, la fatiga y el paso de las horas van acumulando peso en los párpados, van produciendo el escozor que anuncia al sueño. Por otra parte, la descarga punzante del dolor o del placer nos obliga también a cerrar los ojos, en tanto que el miedo ordena cubrir el rostro con las manos en un inútil y pueril gesto de defensa. En todos los casos, dejar de ver, replegándose al oscuro interior del propio cuerpo, es un reflejo perentorio e instintivo que busca protección y alivio.

Ver, verdaderamente ver, implica una voluntad expresa, una determinación valiente, una fortaleza especial. La mirada ordinaria apenas si roza las cosas, palpa el terreno con un gesto más cercano al de un invidente que a lo único que aspirar es salvar los escollos del camino cotidiano. La mirada ordinaria, displicente y anémica, sólo recoge los fragmentos necesarios para trazar un horizonte sin relieves, sin sobresaltos. Sólo cuando se altera esa línea continua y muelle es cuando el acto de mirar adquiere niveles de conciencia y despliega sus posibilidades de percepción. Paradójicamente, la feroz maquinaria consumista de La sociedad del espectáculo, productora de un alud de estímulos visuales, lejos de ampliar las posibilidades de asombro, sepulta bajo una gruesa capa de estruendo mercachifle la ocasión de abrir los ojos ante una verdadera revelación, sobre todo cuando la primera condición de lo extraordinario, parafraseando a Roberto Bolaño, es pasar inadvertido.

Para ver como Nan Goldin lo hace, se requiere de la disposición a correr riesgos dejando de lado cualquier resistencia o previsión, de asumir de antemano que se enfrentará el reto en un estado de extrema vulnerabilidad, en el que la cámara no ofrece protección alguna. Requiere también de la capacidad para no apartar la mirada, para seguir viendo a través del llanto, triste o gozoso, provocado por el espectáculo contradictorio de la vida.

La mirada de Nan Goldin le exige un sometimiento total. Nada más alejado de ella que la mirada del fotógrafo de estudio, de quien construye sus imágenes en horas hábiles. Aunque afín a la de un fotoperiodista al asecho, la mirada de Nan Goldin es aún más demandante, ya que la de aquel está sujeta a la agenda de la guerra o el desastre en turno, al azar voluble al que se entrega el cazador furtivo, en tanto que la de ella no da un minuto de tregua, porque la lucha es permanente y sucede en casa, porque es ella misma la que convoca a voluntad la catástrofe, el prodigio y la presa.

La posición de esta artista se nos revela a veces como la condena de un insomne que nunca alcanzará el sueño, pero sobre todo como la aceptación de un destino. En cualquier caso, los costos en dolor son altos y las imágenes recogidas, como heridas que se resisten a cicatrizar, son bálsamo y expiación. Sin embargo, la retribución que alcanza también es elevada. Haber resistido a la adversidad y al desgaste que reclama el ejercicio de la libertad, ha dotado a Nan Goldin de una capacidad de ternura, a la que puede recurrir en soledad y silencio, o en medio del estruendo de una multitud; en el lecho de convalecencia o en el jardín de las delicias.

La posición de esta artista se nos revela a veces como la condena de un insomne que nunca alcanzará el sueño, pero sobre todo como la aceptación de un destino. En cualquier caso, los costos en dolor son altos y las imágenes recogidas, como heridas que se resisten a cicatrizar, son bálsamo y expiación. Sin embargo, la retribución que alcanza también es elevada. Haber resistido a la adversidad y al desgaste que reclama el ejercicio de la libertad, ha dotado a Nan Golding de una capacidad de ternura, a la que puede recurrir en soledad y silencio, o en medio del estruendo de una multitud; en el lecho de convalecencia o en el jardín de las delicias.

Recurriendo de nuevo a Roberto Bolaño, podemos decir que Nan Goldin convierte el dolor y el placer de los otros en la memoria de uno. Convierte el dolor, que es largo y natural y que siempre vence, en memoria particular, que es humana y breve y que siempre se escabulle. Convierte un relato bárbaro, un ulular incoherente sin principio ni fin, en una historia bien estructurada en donde siempre cabe la posibilidad de suicidarse. Convierte la fuga en libertad, incluso si la libertad sólo sirve para seguir huyendo. Convierte el caos en orden, aunque sea al precio de lo que comúnmente se conoce como cordura.

Cuando Nan Goldin espeta lapidariamente I'll be your mirror, confiesa su naturaleza de insomne crónica. Al igual que el espejo –ojo perpetuamente abierto– no parpadea, y devuelve obsesivamente lo que su cámara refleja. Hablar de sus obras en términos de honestidad, fidelidad u objetividad resulta irrelevante, son primordialmente versiones –parciales, imperfectas e incluso deformes– de lo que a ella le ha tocado llamar realidad. Al reflejarnos en el espejo que esta artista nos ofrece, sorprende que su superficie no sea fría e inmutable sino cálida y palpitante, sorprende también que, más allá de de nuestros rasgos fisonómicos, Nan Goldin devuelve un rostro trazado con emociones complejas y contradictorias en el que de alguna manera nos reconocemos.

Carlos Ashida

Imágenes de la exposición

Inauguración

Queremos hacer patente nuestro agradecimiento a las siguientes Instituciones y personas que amablemente nos ayudaron a realizar esta exposición:

Matthew Marks Gallery New York

Colección Fundación Televisa

Colección Isabel y Agustín Coppel

Colección Charpenel

Colección Kunsthaus Santa Fe

David Ramírez Chávez

Matthew Marks, Jeffrey Peabody, Randy Walz, Agustín e Isabel Coppel, Fabiola García, Yameli Mera, Mireya Escalante, Mauricio Maillé , Fernanda Monterde, René Castellanos, Iván Gómez, Elizabeth Calzada Michel, Patrick Charpenel, Lothar Müller, Ana Quiroz, Miguel, David Ramírez Chávez, Robert Evren, Alejandro Rojo, Hugo Odón Medina, Marco Casado, Silvia Prada, Kim Ann Foxman, Jaime Ashida, Gaby, Folco Näther, Graciela Amaro Hernández.

Fotografías: Marco y Dafnis Casado.

SILVIA PRADA. Let´s get busy (pump it up)

Silvia Prada

"Lets get busy (pump it up )"...

Curador: Leonardo Ramírez

Del 30 de julio al 27 de septiembre de 2009

Galería Jesús Gallardo planta baja

Pedro Moreno 202, esquina Hermanos Aldama

Centro Histórico

León Guanajuato

México

What's a commercial artist?

Andy Warhol: I don't know - someone who sells art.

Silvia Prada

Una folladora profesional de la fotografía

La trayectoria artística de Silvia Prada (Ponferrada, España 1969) es sumamente interesante y prolífica. En su trabajo demuestra una obsesión de ratón de biblioteca por encontrar las imágenes correctas para contar al mundo. Así es, Silvia Prada es una especie de historiadora visual de la cultura contemporánea. Una recopiladora insaciable de las imágenes que se generan en una parte especial del mundo, un lugar donde todo es perfecto, calculado y dinámico. El olimpo de los dioses “mass media”, de los hombres y las mujeres hermosos y perfectos. Un mundo que funciona como una maquinaria aceitada.

Sus piezas surgen en una época donde la fotografía y el video parecían imponer toda su fuerza, Silvia Prada decide ser una rémora, una pieza clave, un eslabón perdido que hace confluir mundos en apariencia opuestos y encontrar en la estética de la fotografía publicitaria para tiendas o en las fotografías de la revistas mas influyentes del mundo como: Interview, the face, ID, etc. el elemento que le faltaba para organizar su discurso personal, su trabajo de escritorio, pero sobre todo de la impecable manera en la que elabora sus discursos visuales, la sintáxis de su proceso artístico.

Sus personajes son a la vez testigos y residentes de una larga e histórica tradición artística, el dibujo. En este sentido su trabajo resulta inclasificable. Evidentemente el dibujo es la parte más importante y visible pero la arquitectura que sostiene estas imágenes se logra a partir de una cuidadosa “curaduría” de sus retratados. Su trabajo comienza con la selección de imágenes de reconocidos fotógrafos, que luego incorpora en un discurso visual en el que se enlazan la tradición del retrato con grafito directamente en el muro con las onomatopeyas y los grafismos de explosiones estilo cómic que forman un puente discursivo en su trabajo, permitiendo relacionar a los personajes que presenta en cada “mise en scène”

Una parte muy importante en la elaboración de los discursos de Silvia Prada la forman las referencias musicales, de hecho es impensable no tener presente la música cuando vemos su trabajo. Por ejemplo en esta exposición: Let´s get busy , pump it up (otro título de canción) podemos recordar al ver en el retrato que hace del cantante norteamericano de los años ochenta Marky Mark (ahora actor Mark Whalberg) la canción“good vibrations” y en la definitiva marca personal que imprimió a toda una generación al ser fotografiado para la conocida marca de ropa Calvin Klein junto con la modelo Kate Moss. Mark o Whalberg (como sea el caso) se convirtió en el referente obligado de la belleza masculina de los años noventa, en un punto importante de análisis para la historia de la cultura popular estadounidense.

Pero ¿Por que es tan importante la cultura pop en Silvia Prada?. Me atrevo a especular que Silvia junto con muchos de las personas que nacimos a finales de la década de los sesenta (x generation) es el resultado de la primera oleada de eventos mundiales de la cultura pop, de la masificación del estilo y sin lugar a dudas de la impresionante influencia en todos los aspectos de la vida cotidiana del arte pop y de la singular figura de Andy Warhol.

Leonardo Ramírez

curador de la exposición

Verano de 2009.

Fotografías de la exposición:

Hugo Odón Medina

Marcos y Dafnis Casados

Queremos agradecer la generosa colaboración de

Kim Ann Foxman de “Hercules and love affair”

Manuel Juárez “ el ruffo”

Hoja de sala de la exposición, disponible en la librería de la galería Jesús Gallardo.

Como parte de las actividades de la exposición ; Let´s get busy pump it up,
la artista Silvia Prada Ofreció una conferencia sobre su trabajo el día 28 de julio de 2009 en la video sala de la galería Jesús Gallardo.

Esta exposición extiende su tiempo de visita hasta el próximo 18 de diciembre

TOM FRÜCHTL. Lo vi con mis propios ojos.

Tom Früchtl

Lo ví con mis propios

Curadora: Kerstin Erdmann

Del 30 de julio al 27 de septiembre de 2009.

Galería Eloísa Jiménez

Portal delicias s/n

Zona Peatonal

Centro

León, Guanajuato.

México

Subo para arriba y bajo para abajo, porque quisiera mostrarles unas pinturas de Tom Früchtl. Estas pinturas no necesitan un lienzo, sino más bien, están pintadas sobre la superficie del objeto que las contiene. Son duplicados y una copia de sí mismas.

En esta exposición hay un entretejimiento entre el original y la falsificación, y por eso son necesarias dos miradas: a primera vista el objeto parece ser un objeto ordinario, pero esta impresión es un engaño. Al mirar una segunda vez se descubre que el objeto original se ha convertido en otro, al notar las imperfecciones de la pintura. Parece como si el objeto se hubiera maquillado, disfrazado de sí mismo y, de esta manera, hubiera llegado a su máxima expresión de belleza con los ojos más grandes y los labios más rojos. Son objetos encontrados que se convierten en pinturas conceptuales, abstractas y realistas a la vez. Es un acto absurdo en el que la repetición vale la redundancia, y que está permeado por cierto sentido del humor. El desarrollo del trabajo del artista alemán viene de la tautología en la lengua; un error que puede pasar por equivocación, como decir: un cadáver muerto o un anciano viejo; o tal vez llegando hasta el pleonasmo en el que se dobla el sentido implícito de una palabra como: el tordillo blanco o el cielo azul. Una forma de metalenguaje, en el que se habla de lo que se habla.

El artista afirma que todo lo que produce son cuadros elaborados con pasión y fervor, y con mucho rock`n roll. “Ser pintor es un acto de legitimación, resultado de escuchar música durante todo el día a todo volumen en mi estudio o en el cubo de exposición en el momento en el que éste se convierte en mi taller”. Es una ilusión y una imitación de algo ya existente, en la que el volumen de los colores se desacelera y en la que un momento instantáneo aminorado hasta su mínima expresión se congela. Ya no envejece, volviéndose inmortal en un acto meramente poético. El artista y músico tiene que enamorarse en sus lienzos, es un Sísifo de la pintura que pinta loops interminables, ya sea en una variedad de tonos rojos sobre los ladrillos de una casa, variaciones de café en una ordinaria caja de cartón o color oro sobre la superficie de una barra de oro real. Refiriéndose en su trabajo artístico a esa figura griega que subía una piedra “para arriba” e inmediatamente después de alcanzar la cima bajaba “para abajo”. Sus actos de pintura son, según el artista, “un poco tontos”, pero esos objetos aparentemente banales, reducidos a la mera utilización, ya intervenidos sorprenden, y nos damos cuenta de una nueva vertiente en la pintura.

Kerstin Erdmann

Curadora de la muestra

Imágenes de la exposición

Pedestales coloridos, 2009

Pintura vinílica y pintura acrílica

Medidas variables

detalle

Madera maquillada, 2009

Pintura acrílica sobre hoja de triplay

44 x 366 cm x 6 mm

detalle

En todos lados, 2009

Pintura vinílica y pintura acrílica

sobre papel encontrado

35 x 35 cm

Noctámbulos, 2004/2009

Pintura vinílica sobre pared, techo y suelo,

bola de disco y lámparas par 36,12V, 8º

El trabajo artístico de

Tom Früchtl, (1966 Münich, Alemania)

es minucioso, casi invisible y contemplativo. El artista llama a sus piezas “objeto-lienzos” ya que utiliza al objeto para pintar sobre la misma estructura de este, su propia imagen; lo que con frecuencia ocasiona que el trabajo pase desapercibido. Los Trompe-l'oeil en los que interviene pueden ser unas ordinarias cajas de cartón, los ladrillos de una casa, una caja de transporte o unas simples sombras de luz. Es pintor aunque no siempre necesita la tela para pintar y es músico aunque no siempre necesita un instrumento; en su caso la guitarra para tocar. Los dos vertientes están íntimamente ligadas y cuando describe su pintura menciona palabras como la música rock y el volumen de los colores o incluye amplificadores o una bola de discoteca en algunas de sus piezas.

Todas las obras: Cortesía Nusser & Baumgart Contemporary

Queremos Agradecer la generosa colaboración de:

Goethe-Institut Mexiko, Galerie Nusser & Baumgart Contemporary

Susanne Baumgart, Marco Casado, Jorge Dominguez, B&P Erdmann, Fátima Galván, Víctor Jaime, Claudia Kemmer, Simone Lanzenstiel, Carlos Alberto Martínez, Danae Martínez, Abraham Moncada, Folco Näther, Gregor Nusser, Hugo Odón, Elías Sotelo, Peter Stegemann, Fabiola Torres

Fotografías:

Marco y Dafnis Casado