COLABORATIVOS
Marcela Armas
Louise Bourgeoise
Edgar Cobián,
Cristián Franco y Joaquín Segura
Geysell Capetillo
Capelo y Ramsés Ruiz
1000 journals / Someguy/ Andrea Kreuzhage
Robert Lepage y Pedro Pires
Roberto de la Torre
Iván Puig y Andrés
Padilla
Rizoma agencia cultural: Palmira Páramo, Paulina Mendoza
y Ángel Flores Palma
Darren Solomon
Tino Sehgal
Michelangelo
Pistoleto
Totemkid: Diana
Alderete, Jesús Bran, Héctor Campos, Mariel Gutiérrez, Rosaura Muñoz
y Gina Fuentes.
Boris Viskin y Esteban Azuela
Del 19 de enero al 1 de abril de 2012
Curador: Leonardo Ramírez
Galería Jesús Gallardo
Planta alta y sala blanco y negro
Pedro Moreno 202, esquina Hermanos Aldama
León, Guanajuato
Centro.
México
COLABORATIVOS
islas
sociales en un espacio polifónico.
A partir de la primera mitad de la década de 1960, la colaboración como un
modo de producción artística se convirtió en uno de los recursos más
utilizados y viables en el mundo del arte actual. Los proyectos se
generan de manera dinámica, con formatos
que dan por sentado acuerdos, donde existen numerosas estrategias con
las que los artistas operan. Pero a pesar de éstos, los resultados de las
iniciativas todavía plantean preguntas interesantes y cruciales en torno a la
naturaleza de la autoría, la autenticidad, la participación artística, las
relaciones de las obras con el público, y sobre todo en contra de la persistente
idea cliché del artista como figura heroica y solitaria.
Las asociaciones entre los
artistas que han elaborado nuevas teorías estilísticas en la primera parte del
siglo XX proporcionan antecedentes importantes y directos para muchas de las
actividades de participación colectiva, tales como el cubismo, el surrealismo,
el futurismo o el dadaísmo -por citar
algunos ejemplos-. De hecho, la creación de cualquier nuevo estilo o teoría del
arte que incorpora un cambio en el clima social e intelectual de su tiempo,
puede ser observado como el resultado de la actividad colectiva e inteligente
de muchas personas.
La
exposición “Colaborativos” funciona como una exposición de exposiciones, es
decir, una compilación de prácticas artísticas realizadas de manera autónoma a
esta muestra, presentadas –en su mayoría-en otros espacios de exhibición y en
muy diferentes momentos, integrando; documentos,
piezas, cronologías etc. Permitiendo así el entendimiento global de cada uno de
los proyectos presentados de manera individual.
No
intento que los materiales artísticos de la exposición “Colaborativos” se crucen o formulen una línea argumental
unilateral, sino que se establezcan
espacios de reflexión en torno a los procedimientos y resultados de las piezas
exhibidas, que se analicen las
estrategias utilizadas para la realización del proyecto, el contenido social,
político o estético de los materiales, la participación de terceros a partir de
instrucciones, la traducción, la mediación, la interpretación o la formulación
de preguntas en torno a los gestos artísticos irrepetibles.
Es importante destacar que los “entes
colectivos” presentados en esta exposición funcionan como meta artistas. Ellos practican una especie de
individualismo cooperativo, sus nombres presiden una iniciativa que fue
tejiendo la colectividad, de tal manera que las colaboraciones individuales
tienen incidencia en una obra que crea una importante cantidad de
ramificaciones. Tomando como eje el espíritu de equipo, he optado por centrar
la atención en el protagonismo que se sustenta en la existencia de un personaje
colectivo que ha estado operando un proyecto durante un período prolongado de
tiempo, en el que una serie de personas participan de acuerdo a una serie de
reglas impuestas desde el comienzo de la colaboración. Pero los recientes proyectos de colaboraciones
artísticas de esta exhibición parecen articular una estética de cambio y
flujo constante de ideas, y esto, me parece, es una dimensión realmente nueva.
En estos trabajos ni las cualidades formales del
material ni la ambición conceptual de su organizador parecen tan importantes
como la dinámica de las relaciones sociales que generan, ya que inducen a una
serie de comportamientos y señalamientos que muy probablemente no se tenían
contemplados y que surgen sorpresivamente gracias al análisis de cada una de
las iniciativas.
En
algunos casos estas colaboraciones han surgido como una reacción en contra de
los regímenes políticos o de las ineficaces políticas culturales de algunas
instituciones, optando por una figura social que participa a partir de un
singular diálogo propositivo o bien en otro sentido, existen numerosos artistas que han decidido trabajar
juntos como una opción de visibilidad artística y promoción mediática.
Leonardo Ramírez
Curador
Enero de 2012.
Imágenes de la exposición
Louise Bourgeoise
y Miquelangelo Pistoleto
rótulo y
escultura para pasear
Cortesía: Hans
Ulrich Olbrist y proyecto DO IT
Videos:
Un
día de trabajo de Marcela Armas
La
clase obrera y la liberación Nacional de edgar Cobián, Cristián Franco y
Joaquín Segura ,Cortesía plataforma
Danse
Macabre de Robert Lepage, cortesía GIF Guanajuato International Film Festival
Boris
Viskin y Esteban Azuela
Cortesía:
Proyecto Akaso y colección Sergio Autrey
Voces del primer
Vagón
cortesía: Rizoma Agencia Cultural
cortesía: Rizoma Agencia Cultural
Proyecto DO IT
Cortesía: Hans Ulrich Olbrist
Roberto
de la Torre, Harina y epazote
Espacio
de documentación del proyecto
1000 journals
Someguy y Andrea Kreuzhage
Website, libro y
documental
Totemkid
Espacio de documentación
Viniles, art toys, ilustración
In b flat
Darren Salomon
Iván Puig y Andrés Padilla Domene
SEFT -1, Sonda de Exploración Ferroviaría
Tipulada
Proyecto de investigación en
espacios ferroviarios abandonados
Geysell Capetillo y Armando
Anaya
Dependencia, 2010-2012
Pieza por instrucciones
Artistas
MARCELA
ARMAS
Un
día de trabajo. 2008
Video monocanal
3.40 min
El 8 de noviembre
de 2006, en la unidad Médica Familiar no. 2 del Instituto Mexicano del Seguro
Social (IMSS) en la Ciudad de México, diez asistentes médicas realizan su
jornada laboral cotidiana con una modificación en su vestimenta de trabajo: los
uniformes han sido unidos conformando un gran traje que mantiene unidas a las
diez trabajadoras; intentando explorar, por un lado, la capacidad humana de
generar sistemas de trabajo y entendimiento bajo circunstancias delimitadas y
por el otro señalando metafóricamente el funcionamiento real de los aparatos
del estado.
Marcela
Armas
Nace en 1976 en Durango, México.
Vive y trabaja en Ciudad de México, México.
Su trabajo se articula a partir de situaciones urbanas, acciones
sonoras, proyectos para sitio específico, video como documento y la
construcción de dispositivos eléctricos y mecánicos que se vinculan con el
concepto de máquina. Su trabajo ha estado dirigido a investigar la capacidad de
materiales, sustancias y tecnologías para producir poéticas de reflexión
social; examina y señala las transformaciones de la experiencia urbana, la
conformación del espacio social, y relaciones de tensión geopolíticas a partir
del uso de tecnologías que dominan el paisaje de la ciudad y de los usos de la
energía en contextos específicos.
Recientemente forma parte del colectivo TRIODO con Gilberto Esparza e
Iván Puig. Ha exhibido su obra individual y colectivamente en México, España,
Canadá, Estados Unidos, Brasil, Colombia, Perú, Suecia, e Italia.
EDGAR COBIÁN, CRISTIÁN
FRANCO Y JOAQUÍN SEGURA
La
clase obrera y la liberación nacional, 2011
Video
monocanal
1.56
min.
Rodada
en la ubicación en el Parque Fundidora, un cierre de fundición de acero en
Monterrey, México. El video muestra a un hombre enmascarado corriendo con una
versión modificada de la bandera anarcosindicalista en lo que antaño fue el
centro de procesamiento de acero más grande en el país, ahora considerado como
un museo de arqueología industrial. A través de referencias cruzadas a
los movimientos obreros radicales, la omnipresencia de los logotipos
corporativos y los motivos visuales de una zona azotada por la violencia, la
obra reflexiona sobre la futilidad y la candidez de la idea de revolución y
cambio en la problemática post-territorio nacional como en México.
- Edgar Cobián
(Guadalajara, México, 1978)
Vive y trabaja en Guadalajara.
Cursó
la Lic. en Artes Visuales en la Universidad de Guadalajara (1998-2002). Fue
miembro del Colectivo de Acción y Creación Artística (2001-2004). El trabajo de
Edgar Cobián reflexiona sobre la utopia y el ideal en contraposición de las
estructuras política, social y cultural actuales. Cita ideales político-
sociales, entre un dejo de cinismo y un difuso tono nostálgico, que hablan de
la necesidad humana de plantear modelos alternos a las estructuras vigentes, la
ilusión de progreso y la consecuente incapacidad de llevar a cabo estas
ambiciones de manera sostenida y libre de fracturas. Su trabajo abarca diversos
soportes como: pintura, dibujo, escultura, fotografía y video.
- Cristián Franco Martín
(Tecate, Baja California, México. 1980)
Vive y trabaja en Guadalajara.
Como
un impulso, Franco ha tenido un gusto especial por las imágenes y acciones
ridículas e irreverentes. A lo largo de más de diez años ha recopilado toda
clase de dibujos preparatorianos cuyos protagonistas eran penes y frases
absurdas, casi siempre sexuales y ofensivas sobre los demás; fotografías snap
shot y grabaciones en video de borracheras y todo tipo de eventos sociales;
seudo- performances; play backs y algunas otras acciones cercanas a lo teatral.
Aunque probablemente su interés por coleccionar fue causado otrora por la
nostalgia y una intención autobiográfica inconsciente, ha encontrado otras
particularidades en ellas que lo incitan a llevarlas al plano artístico.
Joaquín Segura
(Ciudad de México, 1980)
Artista visual. Vive y trabaja en la Ciudad
de México.
Su
obra se desarrolla en plataformas como la instalación, fotografía, acción y
video. Su trabajo ha sido mostrado en exposiciones individuales y colectivas en
México, Estados Unidos y Europa, en recintos como el Museo de Arte Carrillo
Gil, La Panadería, Ex Teresa Arte Actual, Museo Nacional Centro de Arte Reina
Sofía, Panorama y Fototeka. Otras de sus actividades incluyen la ejecución de
labores curatoriales para distintos proyectos y gestión cultural. Su trabajo es
representado por Arena México Arte Contemporáneo y Galería Hilario Galguera.
ROBERT LEPAGE
Danse
Macabre / Danza Macabra, 2009
Video monocanal
30.08 min.
cortesía: GIF, Guanajuato Interational Film Festival
cortesía: GIF, Guanajuato Interational Film Festival
Guión y Dirección: Pedro Pires
Concepto: Robert Lepage
Idea Origina: Anne Bruce Falconer
Dirección de Arte: Catalina Chagnon
Fotografía y edición: Pedro Pires
Coreografía y elenco: Anne Bruce Falconer
Consultor de edición: André Elías
Editores Adicionales: Aube Foglia, Sophie Farkas Bolla
Editor de Sonido: Jean Francoise Sauvé
Artista Foley: Nicolas Gagnon
Grabador Foley: Daniel Bisson
Premios: Genie
al Mejor Drama Live Action Short, Premios 30a Genie, Toronto, Canadá, Mejor
Experimental / Documental Corto, Festival de Cine de Granada 2009, Granada,
España, Mejor Film Canadiense corto, Toronto International Film Festival 2009,
Toronto, Canadá, del Jurado Especial Premio; Cinefiesta 2009; Caguas, Puerto
Rico, Gran Premio Nacional / Desjardins; Regard sur le corte métrage au
Saguenay; Saguenay, Canadá.
Por un período de tiempo, mientras que nosotros creemos que es
perfectamente inmóvil, carne sin vida responde, se mueve y se retuerce en un
ballet macabro final. ¿Son estos
movimientos los espasmos simplemente errática o se hacen eco de la gira caótica
y vueltas de una vida pasada
Robert Lepage
(Québec,
canada 1957)
Conocido
como el alquimista del modenor teatro imaginista, Robert Lepage es uno de los
directores más exigentes y quiméricos de nuestro tiempo. Su trabajo revela extraños poderes,
casi sobrenaturales de la transfiguración visual; Anegadas las aulas se
transforman en los canales de Venecia, montones de libros viejos se funden
formando ante nuestros ojos la ciudad de Nueva York, una secadora se convierte
en una nave de acoplamiento. Sin
embargo, a diferencia de muchos de sus contemporáneos en el teatro, Lepage no
alberga ninguna agresión hacia el lenguaje, sus enmarañadas tramas mantienen un
embrujo, a la antigua, clásica y eficiente narración, situada en algún lugar
entre la poesía épica y la más accesible y sin pretensiones tradiciones del teatro: "Robert es un
verdadero visionario, crea de teatro para la gente que no le gusta el
teatro", dice el músico Peter Gabriel, para quien Lepage dirigió la gira “Secret World ", “el es un
catalizador que transforma todo, como
Peter Brook".
Pedro Pires
(Nantes, Francia 1969)
De padres Portugueses se crio en la ciudad de
Quebéc, donde pronto descubrió su capacidad para realizar animación de
personajes y monstruos. Gracias a estos experimentos logró desarrollar una
técnica de modelado y efectos especiales. Pedro Pires ha trabajado sobre todo con
Francois Girard en las películas de LA RED VIOLIN, así como el sonido de las
Cárceles por la que ganó un Emmy y premios Gemini para "Efectos visualES
excepcionales" y "Mejores efectos visuales". También trabajó en estrecha colaboración
con Robert Lepage en la concepción visual de los mundos posibles.
RIZOMA, AGENCIA CULTURAL.
Palmira Páramo, Paulina Mendoza y Ángel Flores
Voces del primer vagón 2011
Video monocanal, audio, materiales impresos,
pajarero
Espacio
de documentación de proyecto.
Producción
y creación General: Palmira Páramo, Paulina Mendoza y Ángel Flores
38
Escritoras
Diseño
de mapa: Edgardo Dander
Diseño
Sonoro: Juan A. Amezquita
Video:
Horacio Quiroga
Voces
del audio: Marlen Tenago y Gema del Campo
Diseño
de Imagen en voces del primer Vagón: Isidro Martínez
Departamento
de Movilidad Municipal de León.
Voces
del primer vagón es un proyecto que
surgió a partir de la invasión de espacios públicos con textos literarios
escritos por mujeres. Los espacios que ocuparon los textos fueron cada una de
las estaciones del Sistema Integrado de Transporte en León, Guanajuato.
El
tema central de los escritos colocados en las estaciones del transporte público
fue ―las fronteras‖ vistas
desde cualquier ángulo: social, geográfico,
mental, etc. Especialmente ―las fronteras‖ a
partir de los pensamientos y la imaginación de varias escritoras de distintas
partes del mundo. Comúnmente las mujeres aparecen en los espacios publicitarios
como objeto de deseo, sin embargo este proyecto logró mostrar el otro lado de
la moneda, utilizando las palabras de las mujeres en vez de las imágenes de
éstas.
El
objetivo más importante de este proyecto fue lograr que las personas que
deambularon por el transporte público, encontraran algo diferente en su
transitar cotidiano y fueran interceptadas por un texto que haya dirigido su
mente a otros territorios, escenarios, diálogos, paisajes, a través de la
imaginación, alejándose de esta manera un poco de la rutina.
Este
proyecto se construyó gracias a la colaboración de ochenta escritoras
nacionales e internacionales con diversas profesiones: sociólogas, filósofas,
científicas, músicos, artistas visuales, etc., que mandaron sus textos para
lograr el objetivo de ocupar los espacios públicos con sus palabras.
DO IT. (Un proyecto de Hans
Ulrich Olbrist)
Tres ejemplos de
obras por instrucciones, 1994.
Louise Bourgeoise, Tino Seghal, Miquelangelo Pistoleto
Sitio web, rótulo, vinil impreso y escultura para pasear
Cortesía: Hans Ulrich Olbrist y proyecto DO
IT
Do it .
Por Hans Ulrich Öbrist
Do it nació en 1993 en el Café Select de París
durante una conversación entre Christian Boltanski, Bertrand Lavier y yo. A
ambos artistas les venían interesando desde principios de los setenta las
instrucciones y cómo se siguen, y en aquella ocasión hablaron del papel que
éstas desempeñan en su propia obra. Desde la década de los setenta Lavier había realizado muchas obras a las que acompañan
instrucciones por escrito con el fin de analizar los efectos que tiene la
traducción en la obra de arte a medida que ésta recorre diversas permutaciones
lingüísticas. A Boltanski, como a Lavier, le interesa la idea de interpretación
como principio artístico. Concibe las instrucciones para sus instalaciones como
análogas a las partituras musicales que, como una ópera o una sinfonía, se
materializan de innumerables formas al llevarlas a cabo e interpretarlas
distintas personas. De este encuentro surgió la idea de una exposición
compuesta por manuales o instrucciones de montaje de obras de arte. Hasta que
no se diera con un lugar donde llevarlas a cabo estas instrucciones existirían
en una condición inerte. Como en una partitura, todo está presente, sólo falta
el sonido.
"¿No deberían sencillamente publicarse las
partituras en periódicos o ponerse a la venta como tarjetas o impresos que se
pudieran enviar a quien uno quisiera?"
- Christian
Boltanski
(Francia, 1944)
Después de una educación irregular y
sin ningún entrenamiento formal en el arte. Boltanski comienza a pintar cuando
apenas era un adolescente en 1958. Sus primeras pinturas eran grandes lienzos
que describián acontecimientos históricos o que describían figuras solitarias
en lugares macabros.A partir de 1967 comenzó a alejarse de la
pintura y comenzó la exploración de otras formas de expresión. Empezó a escribir cartas utilizando
como soporte el mail art, que luego envío a figuras prominentes de la escena artística. Sus materias primas se mezclaron con
las fotocopias de documentos originales y fotografías de los álbumes de su
familia. El uso de estos nuevos
materiales equivale a invertir su universo personal en su trabajo. Hasta el punto en su historia personal se
convirtió en uno de los temas centrales en su trabajo
Bertrand Lavier
(Francia 1949)
Cuestiona la relación entre el arte ,
vida cotidiana y la
naturaleza de la
obra de arte mediante
la colocación de
obejtos que pueden ser socialmente identificados, una exposición de obras de arte, objetos de la vida cotidiana, modificados o híbridos. Durante los años setenta, lleva a cabo fotografía de
objetos y pintura como parte de una reflexión sobre la pintura: Se incluyen un piano, una ventana, un refrigerador o un espejo con una gruesa capa de pintura,
al mismo tiempo mostraba los colores originales de los objetos pintados.
DO IT. (En el museo)
En 1994 en
colaboración con la AFAA (Action Francaise d'Action Artistique,/
Sociedad Francesa de acción artística) se tradujeron doce textos
originales do it a ocho idiomas, y se enviaron como documentos
diplomáticos a todos los países con los que Francia mantiene relaciones
oficiales. El primer acontecimiento do it se celebró en
septiembre de 1994, en el Ritter Kunsthalle de Klagenfurt, Austria, y la
exposición ha viajado desde entonces a Bangkok, Bogotá, Brisbane, Ginebra,
Glasgow, Helsinki, Ljubljana, Nantes, México, París, Reykjavik, Siena, Thallin,
Uppsala y ahora tres ejemplos de obras por instrucciones en León, Guanajuato.
do it sigue unas cuantas "reglas de
juego":
1) Cada museo debe
seleccionar y crear al menos quince de las treinta acciones/obras en estado
embrionario. Además de la maleabilidad propia de unas obras sujetas (como la
traducción de Lavier) a la interpretación, el proceso de selección garantiza la
aparición de una nueva constelación cada vez que la exposición se
presente.
2) Las
instrucciones las llevará a cabo el personal del museo o la comunidad local en
general. Ni el comisario de la exposición ni los artistas deberán tomar parte
en la realización. No habrá un "original" creado por el
artista.
3) Las
instrucciones que los artistas redacten para ser recreadas en cada
acontecimiento do it se deberán interpretar desde un espíritu
de libertad. No existirá la tradicional "firma" del artista para así
evitar que las obras do it adquieran un "carácter"
estático.
4) Al finalizar
cada muestra la institución que la albergue deberá destruir las obras y las instrucciones
a partir de las cuales se crearon, destruyendo así la posibilidad de que las se
conviertan en piezas expositivas estáticas o fetiches. (Véanse las excepciones
en la regla nº 6)
5) Las
piezas a partir de las cuales se construyeron las obras deberán ser devueltas a
su lugar de origen de modo que do it se convierta en algo casi
completamente reversible. Lo mundano se transformará en lo poco común para
luego volver a formar parte de lo cotidiano. Do it aparece
para después desaparecer.
6) Varios artistas
han propuesto alternativas a la total reversibilidad y destrucción de las
exposiciones do it, sugiriendo una "economía" do
it, por la cual las obras realizadas a partir de las instrucciones del
artista pueden considerarse "originales" y de esta manera convertirse
en propiedad de los visitantes del museo o incluso ser institucionalizadas como
parte de la colección del museo recibiendo el artista a cambio un único
pago.
7) Cada artista
que participe en do it recibirá un dossier completo de fotografías
de su obra.
Hans
Ulrich Öbrist
(Suiza,
1968)
El curador suizo Hans Ulrich
Obrist es bien conocido por las exposiciones que ha organizado a nivel
internacional. Después de
estudiar economía y la política se volvió hacia el arte contemporáneo y desde entonces
ha ganado excelentes críticas por sus exposiciones extraordinarias, que a
menudo tienen lugar en espacios no utilizados anteriormente como lugares de
exposición. Ha sido comisario de
exposiciones en el Museo de Arte Moderno de la Ville de París, en la Kunsthalle
Wien, el Deichtorhallen en Hamburgo, la Serpentine Gallery de Londres, el PS1,
etc.
LOUISE BOURGEOISE
Untitled
/ Sin título , sin fecha.
When
you are walking, stop and smile at a stranger
/ Cuando camines detente y sonríe
a un extraño
Carboncillo sobre el muro
Cortesía: proyecto Do it de
Hans Ulrich Olbrist
Louise Joséphine
Bourgeoise
(Francia, 1911-
USA, 1910)
Estudió arte
en varias escuelas, entre ellos la Escuela del Museo de Louvre, la Académie des Beaux-Arts, la Académie Julian,
y el Atelier Fernand Léger. En 1938, emigró a los Estados Unidos y
continuó sus estudios en la Art Students League de Nueva York. Aunque sus inicios fueron como
grabadora y pintora, por la década de 1940, se había puesto toda su atención a la obra escultórica, por la que
ahora es reconocido como un líder del siglo XX. Muy influenciada por la afluencia de
artistas surrealistas europeos que emigraron a Estados Unidos después de la
Segunda Guerra Mundial, la escultura temprana Bourgeois se compone de grupos de
formas abstractas y orgánicas, a menudo tallados en madera. En los años 1960, comenzó a ejecutar
su trabajo en caucho, bronce y piedra, y sus piezas se hicieron más grandes y
más autoreferenciales, lo que se ha convertido en el tema dominante de su obra:
su infancia. Sus famosas
palabras;
"Mi niñez nunca ha perdido su magia,
nunca ha perdido su misterio, y nunca ha perdido su drama."
Su trabajo es profundamente simbólico, se utiliza como
referente en la relación con sus padres y el papel que juegó la sexualidad al
principio de su vida familiar, como un
vocabulario en el que se pueda entender y rehacer la historia de su vida. Las formas antropomórficas de sus
piezas hacen de los cuerpos femeninos y
masculinos referente continuo, sus objetos se cargan de sexualidad e inocencia. El
trabajo de Louise Bourgeoise se encuentra en las colecciones más
importantes de los museos del mundo. Ella
vivía en Nueva York, donde falleció en mayo de 2010.
TINO SEHGAL
You are ready doing all of it / Ya
están haciéndo todo 2002
Vinil
Acción por Instrucciones
Cortesía: proyecto Do it de
Hans Ulrich Olbrist
Tino Sehgal
(Reino Unido, 1976)
El trabajo de Tino Sehgal, crea situaciones que desafían
el marco tradicional de los ambientes del museo y la galería, centrándose en
los gestos fugaces y las sutilezas sociales de experiencias vividas y no en los
objetos materiales. Las obras de
Sehgal dependen exclusivamente de la voz humana, el movimiento corporal y la
interacción social, sin embargo, cumplen con todos los parámetros de una obra
de arte tradicional, con excepción de su materialidad inanimada. Sus “acciones” se presentan
continuamente durante las horas de funcionamiento del museo, pueden ser
comprados y vendidas, y, en virtud de ser repetibles o representables pueden
persistir en el tiempo.
La práctica singular de Sehgal ha sido moldeada por sus
estudios formativos en danza y economía,
interactuando con las prácticas comunes de los museos y las instituciones relacionadas con
las galerías, ferias de arte y colecciones privadas. Considera que las artes visuales son
como un microcosmos de nuestra realidad económica, ya que ambos se centran en
las mismas condiciones: la producción de mercancías y su posterior circulación. Sehgal busca volver a configurar las
condiciones de producción de sentido y valor a través de una transformación de
las acciones en lugar de materiales sólidos. En
consecuencia, en toda su obra explora los procesos sociales, las convenciones
culturales, y la asignación de roles, por lo tanto no sólo la redefinición de
la producción de arte, sino también reconsiderar los valores fundamentales de
nuestro sistema social, incluyendo la sostenibilidad, la originalidad y la
propiedad.
MIQUELANGELO
PISTOLETTO
Sculpture
for strolling / Escultura para pasear , sin fecha.
Agua y periódico
Escultura por Instrucciones
Cortesía: proyecto Do it de
Hans Ulrich Olbrist
Después de leer el diario, sumergirlo en agua y luego formar una pequeña esfera
comprimiendo el periódico mojado con las manos.
Ampliar la esfera mediante la adición de
nuevos diarios empapados en agua. Seguir este procedimiento hasta que la esfera
es de un metro de diámetro.
Cuando este bien seca la esfera, rodarla
fuera, en las calles y las plazas como
una escultura para pasear.
Cada institución pública que realiza la
escultura de Miguel Ángelo Pistoletto puede sacar a pasear a la escultura en el
contexto del proyecto “Do it”, en el que los diarios aparecen en la superficie,
puede utilizar la esfera permanentemente después de la exposición. Los
resultados y los documentos de todas las formas de uso y la interacción, deben
enviarse a Michelangelo Pistoletto, vía Milano 13, 10122 Torino, Italia. Fax
0039 11 4362153.
Este derecho, que se extiende más allá del
tiempo limitado de la exposición es otorgado por el artista previo pago de los
Estados Unidos 3,000.00 en la siguiente cuenta: 18298, Banca Brignone, Via
Alfieri 17, 10121 Torino, (I), Banco código 03060010
Miquelangelo
Pistoletto
(Italia-
1933)
Tiene
mas de cuarenta años de experiencia en el mundo del arte contemporáneo. Su debut se remonta a finales de los
50 con una pintura en la auto-centrada. En
1961 pintó un lienzo de la mentira en blanco y negro sobre una gruesa capa de
pintura en el lienzo por un espejo. Cosí
dos cosas, el lienzo y el espejo, se vuelven uno. La creación de la serie "El
Presente". Desde el '62 la
figura se recorta y se aplican en acero espejo placas. El espectador se convierte en parte de
la estructura a través de su reflejo. Desde
1965-67 produce un conjunto de obras titulado Menos objetos que revelan la
singularidad de cada momento creativo. En
1968 fundó "The Zoo" grupo con el que se dedicó a la interacción de
las diferentes formas de expresión que se traducen en el drama de acción. En los años 70 vuelve al tema del
espejo, con el ciclo de "división y multiplicación de los espejos",
basada en la desaparición de las imágenes y la disección de las superficies. En los años 80 se dedicó a la
escultura. La arquitectura en la
obra del espejo (1990) explora el tema del espejo. El trabajo de la colección se compone
de un gran espejo enmarcado por el artista divide en cuatro partes iguales. El espejo refleja y por lo tanto,
potencialmente contiene todas las imágenes posibles, de modo que cada espejo
puede reflejar todo el mundo.
ROBERTO DE
LA TORRE
Harina
y epazote 2010-2011
Documentación de
intervención realizada en el museo EX
Teresa Arte Actual
Paquetes de harina y epazote, mesas de
madera, lámparas, video proyección, materiales diversos etc.
Medidas variables
Colección del artista
Roberto de la Torre desarrolló una exhibición
para el Ex Teresa Arte Actual en el año 2010-2011 llamada “Harina y Epazote”
proponiendo un ejercicio reflexivo que aborda el tema del narcotráfico como una
metáfora abierta, donde las relaciones de productividad y eficiencia son el
vínculo con el factor humano.
El artista logró adaptar al ex templo de
Santa Teresa la Antigua en la Ciudad de México como un laboratorio Industrial
de trabajo con el fin de procesar, empacar y distribuir grandes cantidades de
harina y epazote, a través de la participación de voluntarios, estudiantes y el
público que asistió a la exhibición.
La materia prima en esta obra tiene una
relación alusiva con la cocaína y mariguana, sin embargo en ningún momento se
pretendió simular dichos narcóticos por
consiguiente estos alimentos se evidenciaron en la instalación tal como son,
excepto que la técnica y los materiales que se utilizaron en el empacado fueron
similares a los que se manejan en los laboratorios clandestinos y plantas
industriales para envolver dichos estupefacientes. Los paquetes que se generan de esta propuesta
fueron donados a las organizaciones no gubernamentales de apoyo humanitario.
Roberto de la
Tore
(Puebla 1967)
Vive y trabaja en la ciudad
de México, estudió Artes Visuales en la esmeralda y actualmente es docente de
dicha escuela. Ha participado en diversos Festivales de arte nacionales e
Internacionales. Su obra se ha presentado en Alemania, Canadá, España, estados
Unidos, Finlandia, Japón, Inglaterra, Bolivia, Polonia, Portugal y México. En
el transcurso de su carrera, ha obtenido diversos reconocimientos, apoyos y
becas. Su obra ha sido publicada en diferentes medios locales y extranjeros.
Fue miembro y fundador del grupo experimental 19 concreto de 1990 a 1995.
1000 JOURNALS
Someguy y Andrea Andrea Kreuzhage
1000
journals,2000
Documental, Website y Libro de consulta
San Francisco, USA. Año
2000. Un artista llamado Someguy decide lanzar un experimento creativo:
repartir 1000 libretas en blanco por todo el mundo, con una única intención:
permitir que quien la encontrara pudiera crear algo en ella y demostrar así que
todos somos creativos y co-creadores. Gracias a Internet, usuarios de todo el
mundo comenzaron a interconectarse con el proyecto, solicitando formar parte
del experimento. Las libretas fueron de mano en mano, y pasado un tiempo, una
de ellas volvió a las manos de Someguy. Pero, ¿qué pasó con las otras 999?
Andrea Kreuzhage, directora del film, dirige el documental en busca de todas
ellas: un viaje lleno de relatos personales, sorpresas e interesantes
paradojas.
La creatividad, vista desde
el usuario final. Internet y co-creación. Globalización y 2.0: ¿tiene límites
la red? El storytelling como nueva herramienta de comunicación. Confianza vs
miedo. La co-creación, nuevos diálogos entre marca y consumidor.
Someguy,
también conocido como Brian Singer
(Estados Unidos 1969)
Someguy es un artista afincado en San Francisco fina
cuyos proyectos han recibido atención internacional. Su arte va desde obras íntimas con
papel para proyectos a gran escala de participación de gran tamaño. El Proyecto 1000 Revistas, iniciado en
2000, se convirtió en un libro, un documental de larga duración, y se ha
exhibido en el Museo de San Francisco de Arte Moderno y el Centro Cultural
Skirball de Los Ángeles. El proyecto fue cubierto en The
New York Times, San Francisco Chronicle, The Wall Street Journal, Entertainment
Weekly, Better Homes and Gardens y
muchos otros.
Brian es también un diseñador gráfico de haber creado a
cabo el trabajo de Apple, Adidas, SFMOMA, Chronicle Books y muchos otros. Además de ser reconocido con numerosos
premios y publicaciones, se ha desempeñado como presidente del capítulo de San
Francisco de AIGA, la asociación profesional para el diseño y enseñó en la
Academia de Arte de la Universidad.
Andrea Kreuzhage
(Alemania, 1971)
Vive y trabaja en los Ángeles California
Andrea ha estado
trabajando en la industria del cine desde 1986, y ha estado involucrado en la
distribución de desarrollo, financiamiento, producción, comercialización y / o
de 8 a 10 películas y producciones de televisión por año. Con sede en
Munich, Alemania, ha trabajado con socios en toda Europa, EE.UU., Japón, y
desde 1987 hasta 2004 con la empresa australiana Más allá de las películas, en
películas como Australian Rules (2002
Sundance, Cannes junior 2003), BLACKROCK(Sundance
1997 ), The Business of Strangers (Sundance,
Toronto 2001), CHOPPER(Toronto
2000, Sundance 2001), KISS o KILL (Toronto,
1997), LANTANA (Telluride,
Toronto 2001), EL AMOR Y OTRAS
CATÁSTROFES (Venecia, Toronto, 1996), EL AMOR SERENADE (Cámara de Oro en Cannes 1996, Sundance
1997), OBSESSION(Sundance,
Berlín, 1998), OTRAS VOCES (Sundance
2000), Strictly Ballroom(Cannes
1992), Texas (Sundance,
Berlín, 2002), y DOS MANOS (Sundance
1999) . En 1994, se mudó a Los Angeles, para centrarse en el desarrollo,
el financiamiento y la producción de la narrativa independiente y
documentales.
TOTEM KID
Diana
Alderete, Jesús Bran, Héctor Campos Mariel Gutiérrez, Rosaura Muñóz y Gina
Fuentes
Totem
Kid,2011
Espacio de documentación
Viniles, art toys, ilustración
Nace con la unión de un
grupo multidisciplinario de profesionales; diseñadores, ilustradores y gente
creativa, que busca plasmar todo tipo de ideas en diferentes objetos
funcionales y decorativos a través de recursos artísticos, explorando
diferentes técnicas como: serigrafía, intervención, tallado, ensamble, pintura,
entre otras.
Tótem Kid busca influir
en el medio de las artes visuales de manera propositiva mezclando el diseño con
herramientas y habilidades artísticas estableciendo en sí mismo un estilo
auténtico que logre un posicionamiento como marca.
Diana Alderete
Dedicada al diseño
gráfico, la ilustración y aficionada a la fotografía,
anteriormente
miembro del colectivo I AM
Jesús Bran
Diseñador gráfico,
animador e ilustrador en medios digitales y tradicionales.
Héctor Campos
Diseñador
Industrial y escenógrafo.
Mariel Gutiérrez
Diseñadora
gráfico, ilustradora y artista plástico, anteriormente participa en el Alter
ego con el colectivo Las Dolls.
Rosaura Muñoz
Diseñadora
gráfico, animador e ilustrador en medios digitales y tradicionales.
Gina Fuentes
Diseñadora
gráfico, animador e ilustrador en medios digitales y tradicionales.
Darren
Salomon
En
Bflat, 2009
Web site
Proyecto de música colaborativa
y generativa
Proyección monocanal con audio
Hace algunos años, el compositor y productor Darren
Salomón tuvo una idea. Realizar
un proyecto llamado "En si bemol".
Darren pidió a sus compañeros cantantes y músicos que realizaran un
video con música o ruido en si bemo de dos minutos de duración y les pidió que lo
subieran a youtube. Darren, Seleccionó
las mejores aportaciones y las colocó en un solo sitio web para reproducirlos en el órden que el usuario
necesitase. El resultado son una serie de
encantadoras composiciones sonoras que pueden generarse en cualquier orden
y las veces que uno desee, iniciando y deteniendo ciertos sonidos o ajustar el volumen, esto se logra gracias a
que cada uno de los videos de este sitio se encuentran incrustados en You tube,
Darren Salomon
(New Jersey 1977)
Compositor,
productor y tecladista. Ha realizado giras con Ray Charles y Barry
Manilow, ha realizado la música para
cuatro películas y ha compuesto música para cientos de anuncios de televisón en
gran Música Foote. Graba música electrónica bajo el sello de Science for girls.
Creo los sitios web para colaboración musical inbflat.net así como: marcador y
música.
SEFT -1
Iván Puig Y Andrés Padilla Domene
SEFT -1, Sonda de Exploración Ferroviaría Tipulada, 2010-2011
Proyecto de investigación en
espacios ferroviarios abandonados
Medidas variables
Colección de los artistas
Hace seis años Iván Puig imaginó un proceso
de investigación artística para reintroducir en la consciencia colectiva las
reliquias de la red ferroviaria mexicana. Colaborando con una diversidad de
instituciones, creo una sonda de exploración que consiste en una pick up
adaptada para caminar montada sobre los restos de los rieles lo mismo que
dotada de neumáticos para cruzar brechas y túneles donde las vías del tren han
sido ya borradas del todo.
El
vehículo, Seft-1, tripulado por dos “ferronautas”(Iván Puig y Andrés Padilla
Domene) partíó el pasado 20 de noviembre de 2010 desde el MUNAL para explorar
los ramales olvidados de Yucatán, Veracruz, Oaxaca , Jalisco y Coahuila,
recopilando tanto imágenes, restos
arqueológicos y videos de los parajes y vías olvidadas, tanto como para avivar
la memoria de los pobladores de ese circuito fantasma.
Cuauhtémoc
Medina
Periódico reforma, 22 de noviembre de 2010.
Iván
Puig Domene
(Guadalajara,
1975)
Se
graduó en la Licenciatura en Artes plásticas en la especialidad de grabado en
la Universidad de Guanajuato y cuenta con estudios en la Universidad
Politécnica de Valencia, España y la Universidad de Laval de Québec, Canadá. Su trabajo está lleno de soluciones
formales híbridas que no permiten
describir con precisión sus piezas. Utiliza materiales que lentamente va
procesando y que tienen como resultado una pieza que no finaliza sólo como un
objeto de exhibición terminado, sino que la mayoría de las veces retoma de
estos materiales o hallazgos ciertos elementos que le permiten completar una
nueva idea .
Andrés
Padilla Domene
(México,
1986)
Estudió la Licenciatura en Medios audiovisuales, en el
Centro de Arte Audiovisual de Guadalajara. Inició su incursión en el video en
2004. Ha colaborado en la producción de radio, eventos y video para el proyecto
de radio por Internet Radio Global. Su trabajo con el colectivo Camper Media
incluye documentales, intervenciones, programas de televisión y videoclips,
entre otros. En 2008, fue becario del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes
de Jalisco, con el proyecto Ferroproyección. Entre 2007 y 2011, ha expuesto su
trabajo en Festivales de video y en exposiciones colectivas en México, Estados
Unidos, Canadá, España y Bélgica. Actualmente, es codirector del proyecto
SEFT-1, con Iván Puig.
GEYSEL
CAPETILLO Y ARMANDO ANAYA
Del
proyecto el artista de los artistas, Armando Anaya y el arte por instrucciones.
Dependencia,
2010-2012
Pieza por instrucciones
Muebles y objetos varios
Medidas variables
La pieza “Dependencia” de la artista Cubana
Geysel Capetillo es la única obra tridimensional que se realizó
del proyecto “El artista de los artistas” de 2010. En éste se planteaba la posibilidad
de que se armara una exposición internacional con obras que una sola persona
tendría que interpretar. Esta persona funcionaría como traductor de las instrucciones que varios
artistas me habían hecho llegar por medio de correo electrónico. Todos los
artistas a los que invitamos a este proyecto enviaron sus instrucciones a para
que Armando Anaya las resolviera como el decidiera, pero la exposición nunca se
realizó, debido fundamentalmente a un asunto de incompresión y prejuicio del
proyecto original.
Geysell Capetillo
(la Habana, Cuba, 1973)
es diseñadora industrial y artista visual.
es diseñadora industrial y artista visual.
Armando Anaya
(León, Guanajuato, 1967)
Es pintor popular y encargado de producción de exposiciones de CAVI.
Es pintor popular y encargado de producción de exposiciones de CAVI.
Akaso
Boris Viskin y Estevan Azuela
Esperando a los tártaros, ,2009
Óleo sobre lino
366 x 488 cm
Colección Sergio Autrey
Desierto Blanco, ,2010
Video monocanal
3.30
Colección Sergio Autrey
Akaso
surge de la convicción de que el disfrute de la pintura es el mejor recurso
para fundamentar su causa, que el argumento más eficaz para probar su valía se
formula en el encuentro directo y gozoso con el espectador. Bajo estas
premisas, Akaso se asume como una colosal puesta en escena
Que ofrece
condiciones excepcionales para que la pintura despliegue sus atributos. Su proósito
más visible es celebrar la vitalidad de este antíguo género, Festejar la
destreza y talento con que puede practicarse.
Despertar
el gozo y el asombro por la pintura no es un logro menor hoy en día. Sin
embargo, también es cierto que akaso aspira a ir más allá de una incierta
contemplación arrobada.
Su
deliberada y provocadora grandilocuencia es un gesto con claras intensiones
simbólicas ricas en sugerencias e interpretaciones; es también el impulso que
mantendrá en movimiento el alegato de la pintura por los caminos que el acceso
dicte. Esta iniciativa despertará venturosamente la reflexión, la discusión y
seguramente la polémica. Será entonces que surgirán los elementos para continuar
definicendo la presencia de las prácticas pictóricas en la escena cultural
mexicana[.]
Carlos
Ashida.
Boris
Viskin
( ciudad de México en 1960) donde vivió su niñez.
Su juventud transcurrió en Israel (Jerusalén, Tel Aviv y Kibutz Galed), y posteriormente vivió tres años en Florencia, Italia, donde arrancó su trayectoria pictórica. En 1985 regresa a la Ciudad de México y forma parte por dos años de los talleres de grabado y litografía de la Academia de San Carlos.
Estos cambios de culturas, paisajes e idiomas quedan plasmados en su obra, donde ya sea a través de figuras pequeñas devoradas por grandes espacios, o a través de mezclas de elementos abstractos que se contraponen a otros figurativos, brota la presencia del ser desarraigado: por un lado frágil y vulnerable, por otro firme y fuerte ante el aparente sin sentido de su existencia.
Respecto a su obra dice el artista: “Siempre desconfié y me sentí incomodo con las palabras. Desde muy temprana edad el mundo de las imágenes fue siempre un espacio más sólido y seguro. Por ende la Pintura, con todas sus limitantes, ha sido para mi el medio ideal para hilar mis múltiples y contradictorias personalidades. A ratos me siento un cavernícola intuitivo; a ratos un artista conceptual.”
Ha expuesto individualmente desde 1984 en México (Ciudad de México, Monterrey, Guadalajara, Zacatecas), así como en el extranjero: (Los Ángeles-E.U.A, Zurich-Suiza, Buenos Aires-Argentina, Florencia- Italia, Jerusalén- Israel, La Paz-Bolivia). También ha participado en numerosas exposiciones colectivas en México y en el extranjero.
Esteban
Azuela
(Ciudad
de México, 1984)
Videasta
y cineasta mexicano
Queremos agradecer el generoso apoyo otorgado por las
siguientes Instituciones, empresas y personas para
la realización de la
exposición “Colaborativos”
Proyecto “Do it” y Hans Ulrich Olbrist, Proyecto
Akaso, Plataforma, Giff Guanajuato International Film Festival, Sergio Autrey,
Dulce María de Alvarado Chaparro, Ernesto Herrera y Sara Hoch, Horacio Quiroga,
Juan A. Amézquita, Edgardo Dander, a las 38 escritoras que participaron en el
proyecto “Voces del primer Vagón” de Rizoma, Isidro Martínez, Eugenio González,
Lisette Ahedo, Irazú Páramo , Rafa Centeno, estudiantes de Servicio Social,
artistas y colaboradores que participan
en la exposición.
SUMITEL
Fotografías documentales:
Eugenio González
Verónica Puente
Irazú Páramo
Leonardo Ramírez
Video promocional de la exposición:
Leonardo Ramírez utilizando fotografías de
Eugenio González,
Iván Puig,
Marcela Armas,
y
Andrea Kreuzhage.
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