miércoles, 17 de septiembre de 2008

Festival Internacional Cervantino 2008

Como cada año la oferta de artes visuales del Festival Internacional Cervantino se ve enriquecida con las exposiciones del Instituto Cultural de León con un programa lleno propuestas artísticas atractivas e innovadoras, alternando, tradición y vanguardia en una serie de exhibiciones que muestran los diversos aspectos de la cultura contemporánea dentro de las artes visuales.

Nuestra programación incluye este año, la obra y exposiciones de variados artistas tales como: Dennis Oppenheim (Electric city, Washington 1938) con la exposición “After spree” en colaboración con la Dirección General de Artes Visuales de la UNAM. António Ehrenzwig (Torreón Coahuila, 1962 pero radicado en león desde 1984) con la exposición “Diálogos en Ambar” y el video Európia de Rax Rinekangas (Finlandia, 1954) con el gentil patrocinio de la compañía HIAB, así como las exposiciones; “de Casa y de calle” en colaboración con el Museo Soumaya, “Artistas Catalanes en México” en colaboración con la embajada de España en México y la galería Pecanins, “Mundo de juguete” producción FIC-ICL y “Murder prentend”, ciclo de video arte de artistas de los Ángeles California.

Con este amplio espectro de propuestas artísticas el Instituto Cultural de León, les da la mas cordial bienvenida y los invita a recorrer cada una de la muestras que hemos preparado para ustedes.





1
Artes Visuales / E.U.A.

After spree
Dennis Oppenheim


Curador: Jorge Reynoso Pohlens


Con una fuerte dósis de improvisación, boceto y jolgorio formal, el artista Dennis Oppenheim (Electric City, Washington, 1938), realizó las piezas que integraron la exposición Spree (reunión casual, jolgorio, juerga en la que se toma alcohol) para una de las salas del Museo Carrillo Gil de la ciudad de México en el año de 1998.

En esta exposición el artista produjo una serie de instalaciones en dos periodos de trabajo de tres semanas con el acostumbrado juego de paradojas entre imagen y discurso – o entre imagen convencional e imagen inusitada – propias de la obra de Oppenheim, así como su manejo libre y combinatorio de las convenciones de la alta cultura y fuentes de la cultura popular, mismas que fueron adquiridas por la Dirección General de Artes Visuales de la UNAM en el mismo año.

Diez años después, regresa esta exposición que muestra parte de las piezas exhibidas en 1998, lo que la convierte – sin necesariamente contener esto un sentido negativo – en un fantasma, en el eco de una juerga celebrada hace una década. Recordando y recreando una acción artística como un ejercicio consecuente con lo que se considera esencialmente museográfico, aunque esa recreación sea algo incómodo cuando se aborda desde el arte contemporáneo.

Lo que se orientaba hacia lo espontáneo es obligado a convertirse en momento reflexivo, algo similar al momento de la resaca, de la cruda. Es por eso que titulamos a esta muestra After Spree: “después de la pachanga”, el “after” de la juerga.


Con la colaboración de la Dirección General de Artes Plásticas de la
Universidad Nacional Autónoma de México y la Coordinación de Difusión Cultural UNAM

Galería Casa de las Monas / Del del 10 de octubre al 30 de noviembre de 2008







2
Artes Visuales / México

Diálogos en Ambar
Antonio Ehrenzweig


Curadora: Irma Dugelby

Arquitecto de formación, Antonio Erenzweigh se considera artista plástico desde hace más de 26 años. Su obra se caracteriza por el uso de técnicas mixtas aplicadas en numerosos soportes, como papeles de algodón, telas y paneles de tablaroca y MDF aplicando resinas sintéticas mediante la presión y el calor en seco. En fechas recientes ha utilizado de manera muy afortunada losas de concreto y piedras como el ónix y el mármol.

En su obra reciente Erenzweigh incorpora elementos marinos a piedras así como improntas de peces a manera de fósiles contemporáneos. Para esta XXXVI edición del Festival Internacional Cervantino el artista decidió tomar como referencia los versos de la poetisa Ambar Past, (de origen estadounidense pero con gran afinidad México y muy particularmente con el estado de Chiapas), utilizando como ejes para la realización de sus obras los relieves en traventino y pintura sobre fibra de madera conglomerada.

En el año 2007 Antonio Erenzweigh (torreón Coahuila, 1962) recibe del Presidente de la Bienal, Pacuale Celona, el Premio Internazionale Lorenzo il Magnifico.


Galería Eloisa Jiménez / Del 10 de octubre al 9 de noviembre de 2008
De lunes a domingo de 10:00 a 14:00 horas y de 16:00 a 20:00 horas


Actividad adicional
Lectura de poesía de Ambar Past para la exposición “diálogos en ambar”: sábado 11 de octubre 11:00 horas sala Eloísa Jiménez



3
Artes visuales / España. Cataluña (invitado de honor)

Pintores catalanes en México
Arcadi Artís, Daniel Argimón, Josep Bartolí, Jordi Boldó, Josep Guinovart, Alberto Gironella, Joan Miró, Joan Hernández Pijoán, Antoni Peyri, Antoni Tàpies
.

Curador: Américo Sánchez

El hecho de que este conjunto de obras de 10 artistas catalanes provenga de colecciones mexicanas evidencia la estrecha relación de éstos con nuestro país durante más de cinco décadas. En el conjunto figuran Joan Miró, respaldo moral de la denominada Vanguardia Catalana y tres de sus figuras troncales (Tàpies, Guinovart y Argimón), uno de los transfiguradores (Hernández Pijoan), dos catalanes que estuvieron integrados por un tiempo al ámbito artístico mexicano (Josep Bartolí y Antonio Peyrí), un catalán naturalizado mexicano (Jordi Boldó) y uno nacido en México (Arcadi Artís) de padres catalanes. Vinculados directamente o por identificación a distancia con este movimiento originado en 1948 –con la creación de la revista Dau al Set (séptima cara del dado), por Joan Brossa, Antoni Tàpies, Modest Cuixart y Joan Ponç– todos ellos significan el rompimiento con el academismo oficial, así como el ejercicio de “una voluntad de irracionalismo similar al 'dos y dos son cinco' de Dostoievski”, como lo señaló el crítico de arte J. E Cirlot.

Para una generación de pintores, escultores y poetas catalanes que tuvieron más contacto con París que con el resto de España, que fueron alentados por los ejemplos de Miró, Dalí y Picasso, entonces ya situados en el contexto internacional, y por las visitas personales y exposiciones de Duchamp, Man Ray, Chagall, De Chirico, Masson y Arp en Cataluña, la acometida del dadaísmo y el surrealismo por ellos adquiriría una personalidad distintiva al nutrirse de las vetas fantásticas de sus propias fuentes románicas y góticas manifiestas ya en la singular arquitectura modernista de Gaudí. Asimismo, por haber vivido su adolescencia durante la Guerra Civil y padecido las precariedades de la posguerra bajo las imposiciones del franquismo, esta generación identificaría en el nihilismo de Nietzsche y en el existencialismo de Heidegger y Sartre, los sustentos filosóficos para afrontar la devastación material y moral de España en general y de Cataluña en lo particular. De allí que su asunción inicial del absurdo dadaísta y de la belleza convulsiva surrealista derivara en la propuesta de la ruina material como objeto y sujeto de la obra de arte. (...)

Luis Carlos Emerich


Con la colaboración de: La Embajada de España en México y la Galería Pecanins

Galería Jesús Gallardo / Del 10 de octubre de 2008 al 4 de enero de 2009
De martes a sábado de 9:00 a 17:00 horas, domingo de 11:00 a 16:00 horas
General $10.00 pesos, estudiantes, maestros y adultos mayores $5,00 pesos
Domingo y días festivos entrada libre


4
Artes Visuales / México

De casa y de calle
El siglo XIX mexicano en la colección de Museo Soumaya


Curaduría e investigación: Héctor Palhares Meza

De casa y de calle exhibe obras artísticas y objetos cotidianos, que dan cuenta de los usos y costumbres que marcaron el tránsito de lo público hacia lo privado, en una época en la que se configuró la identidad nacional. La exposición está integrada con litografías, pinturas y esculturas que revelan las modas y hábitos que prevalecían en el siglo XIX.


La interacción del hombre y la mujer transita de la vida pública al espacio de la intimidad. Es así que se da la unión de nuestros protagonistas; algunas veces privilegiado el uno o el otro, según la mirada y los cánones impuestos por un tiempo y espacio concretos. En opinión del investigador Gustavo Curiel: Cada uno de los actos de la vida cotidiana, tiene como base una serie de códigos culturales. Éstos funcionan de manera simultánea en el espacio abierto, público, expuesto, sujeto a premisas sociales que articulan y dan sentido de pertenencia a un grupo; asimismo tienen una lógica en el espacio hermético, privado, en el celoso refugio de lo privado.

Algunos de los aspectos de mayor relevancia en los que coexisten lo masculino y lo femenino, son los usos y costumbres de una época o forma de mentalidad. La moda, la higiene, los hábitos domésticos, las fiestas públicas y privadas, la religión, el pudor y las múltiples formas del placer, son arquetipos de la norma social que hace funcionar a la gran maquinaria del devenir cotidiano. (...)

Héctor Pahlares Meza


Con la colaboración del Museo Soumaya

Galería Jesús Gallardo / Del 10 de octubre de 2008 al 4 de enero de 2009

De martes a sábado de 9:00 a 17:00 horas, domingo de 11:00 a 16:00 horas
General $10.00 pesos, estudiantes, maestros y adultos mayores $5,00 pesos
Domingo y días festivos entrada libre


Actividad adicional
Conferencia “Usos y costumbres e la sociedad mexicana del siglo XIX” a cargo de Héctor Palhares Meza: sábado 11 de octubre 18:00 horas, vestíbulo del Teatro Manuel Doblado




5
Artes Visusales / Noruega

Európia
Rax Rinnekangas

Curadora: Casilda Aguirre

Európia, nos abre una ventana poco conocida a otra Europa. Aquella que se oculta detrás de los titulares y que es fundamento de su civilización, de imponentes paisajes y geografía ruda y gentil a la vez, de gente trabajadora de ciudad o de campo – Una Europa de anacronismos y contradicciones. Európia no es una simple lectura visual de Europa, más bien es un viaje reflexivo y temático al viejo continente. Un viaje en el que el espectador será confrontado con similitudes a través de las fronteras y diferencias irreconciliables – armonía , amor, compasión, e intelecto, los actores principales de la civilización, co-existendo a veces de forma violenta llevándola al fracaso de la misma civilización y recordándonos uno de sus puntos más críticos como fue la tragedia de Auschwitz.

El video Európia consta de cuatro temas principales: La Europa cultural que incluye lo que Rax define como la “Rusia Social”, un subgrupo de este tema. La otra Rusia(reflexionando sobre la añoranza nostálgica de una tierra indefinible); la realidad metafísica del invierno nórdico: y los campos de Auschwitz. En la serie de Europa cultural, la luz el color y la composición en el trabajo de Rax se acercan mucho al estilo documental. Pero Rax se distancia mucho de este método en los demás temas por que , como él afirma, la luz interna de la madre Rusia, los campos metafísicos de los inviernos nórdicos, y mi visión de los horrores de Auschwitz, como un ser humano de la posguerra, no se pueden mostrar de una forma tan realista.” (...)


Európia se realiza gracias al gentil patrocinio de la compañía HIAB.

En colaboración con Alison Café, Alternative Art Gallery / Del 10 al 26 de octubre de 2008
Hermanos Aldama 113, Centro, León, Guanajuato
De lunes a domingo 21:00 horas, durante todo el Festival Internacional Cervantino
Entrada libre







7
Artes Visuales / E.U.A

Murder Pretend
Naotaka Hiro, Julian Hoeber, Dawn Kasper, Paul McCarthy/ Damon McCarthy, Craig McIntyre, Eddo Stern


Curador: Naotaka Hiro
Coordinadora: Miho Hagino


A manera de show televisivo gore, la compilación en video murder pretend, elabora una serie de discursos en torno a la representación de la muerte violenta a partir de siete videos de Naotaka Hiro, Julian Hoeber, Dawn Kasper, Paul McCarthy/ Damon McCarthy, Craig McIntyre y Eddo Stern, en donde ponen de manifiesto la utilización de lenguajes en video aparentemente poco elaborados pero que se construyen desde la más minuciosa planeación.

La selección de artistas y videos que Naotaka Hiro realizó para esta muestra, no está basada en el hecho de pertenecer a una generación o que la mayoría de ellos radiquen en un lugar como los Ángeles, California, sino en la forma en la que los artistas asumen la violencia; desde el espectáculo con el mas negro sentido del humor y no desde el tremebundo hiperrealismo. No hay intenciones de hacer con este trabajo una apología de la violencia, es por el contrario un medio y un estilo para discernir en torno a varios tópicos tales como, la reconstrucción y apropiación de hechos reales, la manipulación tiempo-espacio, el arte pop y la estética de lo terrible.


En colaboración con Alison Café, Alternative Art Gallery / Del 10 al 26 de octubre de 2008
Hermanos Aldama 113, Centro, León, Guanajuato
De lunes a domingo 21:00 horas, durante todo el Festival Internacional Cervantino
Entrada libre






7
Artes Visuales / México

Mundo de juguete
Francisco Aguilar, Nacho Chincoya, Gilberto Esparza, Arturo Gómez Guerra, Noriaki Hayashi, Gonzalo Lebrija, Diego Medina, Daniel Navarro, Favio Montoya, Hugo Odón, Iván Puig, Cecilia Ramírez, Baltasar Rosíles, y Vanesa Salas
.


Curador: Leonardo Ramírez

El juguete ha sido una de las vías más sugerentes para la creación plástica. Tanto, que hoy podemos hablar de una nueva construcción escultórica basada en la dinámica, estética y maleabilidad de estos objetos.

Entre las muchas características de esta “nueva escultura” están la aplicación de formas y colores cercanos a lo abstracto, la construcción de patrones repetitivos y móviles, la utilización de materiales de desecho, así como la necesaria participación del público que activa estas formas con su imaginación, haciendo que las piezas desarrollen una serie de mecanismos que permiten la libre asociación de ideas, la empatía y la fácil colocación de contenidos, aludiendo estilizadamente a los objetos reales y, a la vez, abriendo un nuevo mundo de posibilidades creativas

Frente a esta actitud de los artistas contemporáneos que miran al juguete como fuente de inspiración, se construyen obras con una intención que suele ser siniestra y provocadora, no utilizando el juego como sinónimo de diversión y creatividad mágica, sino como medio para realizar denuncias sociales o ilustrar problemas conceptuales que nada tienen que ver con el mundo de los niños. Complejidades reservadas a mayores de edad que se sirven de la infancia sin devolverle nada a cambio.

Mundo de juguete es una exposición que reúne el trabajo de 13 artistas que utilizan el juego y el juguete, como medio artístico para hablar de contenidos que subyacen en nuestra vida cotidiana y en nuestra memoria mas profunda.

En colaboración con Arena México Arte Contemporáneo y las muertas proyectos espaciales / Del 10 de octubre al 30 de noviembre 2008

Galería del Teatro María Grever
De martes a sábado de 9:00 a 17:00 horas, domingo de 11:00 a 16:00 horas
Entrada libre



Festival Internacional de Arte Contemporáneo 2008




Arboleda. cuerpo es cuerpos

Adonis Flores, Alain Pino, Alejandro González, Cirenaica Moreira, Eduardo Hernández, Ernesto Javier Fernández, Gustavo Pérez, Hander Lara, Lidzie Alvisa, Lissette Solórzano, Ricardo Elías, René Rodríguez, Luis Alonso, Marianela Orozco, Nadal Antelmo, René Peña, Robin Martínez, Pedro Abascal, Roberto Diago, Marta María Pérez, Alexandre Arrechea (Jaca), Analía Amaya y Humberto Díaz, Diana Fonseca, Glenda León, Ernesto Leal, Magdiel Aspillada, Ernesto Oroza, Raúl Cordero, Javier Castro, Luis Gárciga, Duniesky Martín, Yoel Hugo Díaz, Antonio Gómez Margolles.

Del 30 de julio al 21 de septiembre

Curadoras:
Idalma Fontirroche, Elvia Rosa Castro y Sandra Contreras.

Primer piso, sala Jesús Gallardo


En colaboración con:
UNEAC Unión de Escritores y artistas de cuba.
Consejo Nacional de las Artes Plásticas


Arboleda. El cuerpo es cuerpos[1]

El Arte poética, aquel libro aristotélico que se dice fue quemado en el medioevo y que también constituyó el enigma sobre el cual giraron todas las confabulaciones y crímenes en El nombre de la Rosa, no fue el único texto censurado por la suspicacia clerical. Otros, como aquellos que describían la anatomía humana en bellos e ingenuos dibujos, corrieron igual suerte.

De manera que el cuerpo, algo tan natural y propio, fue convirtiéndose en un gran misterio. Y los misterios terminan convirtiéndose en metáforas.

Lo escatológico de lo social, lo marginal, el carácter tópico de los sucesos, el fragmento y además, el discurso que el sujeto produce y reproduce sobre lo “real”, son cuestiones que van a tener en ese mapa llamado cuerpo toda una explicación.

Para nadie es un secreto que hace unos cuantos años el mundo está viviendo lo que se ha dado en llamar “democratización de la anatomía”
[2]. Más el interés no está en ella per se sino que ha sido utilizada, en lo fundamental, como pretexto. El cuerpo como coartada lingüística y formal para penetrar otras zonas que traspasan el espacio físico o anatómico. El cuerpo concebido como una zona de tolerancia de la que emanan las más disímiles reflexiones: de género, raciales, religiosas y sociales en general.
El tiempo como espacio ideal para pulsar los tiempos y los contextos, para tocar hondo en el imaginario social, ese baúl que es capaz de guardar secretos aun cuando otros poderes traten de ignorarlos. (...)
[1] Inversión de una frase de Octavio Paz en El mono gramático.
[2] Término acuñado por el doctor alemán Gunther von Hagens a propósito de su exposición Körperwelten (Mundos corporales) y que ha suscitado las más encarnizadas polémicas en torno a la noción de arte y a la ética y inconsecuencia, al carácter legítimo de la muestra.

T- rex

Omar Aguayo, Biutiful, Rubén Gutiérrez, Andrés G., Hampa, Homeless, Jal Arte A.I., laluchalibre, Jéssica López, Lourdes Méndez, Mario Méndez, Javier Pulido / Patrick Mallow , Leonardo Morales, Favio Montoya, Nenito pedante, Jorge Ortega, Erick Rivera, José Luis Sánchez Rull, Joaquín Segura, Tun Naal, Torolab, José Isaac Torres .

Del 30 de julio al 21 de septiembre
Curadores: Mónica Ashida y Jaime Ashida
Sala Blanco y negro, Galería Jesús Gallardo
En colaboración con:Arena México, Arte contemporáneo.
T- rex

La polémica sobre el elitismo del arte y su poca cercanía a la mayoría de la gente ha sido una constante en las discusiones sobre arte contemporáneo.
Los altos precios de obras únicas en técnicas costosas y formatos complicados, aunados a discursos demasiado complejos e intrincados, las hacen poco, si no es que nada, accesibles al gran público, acrecentando una ya muy marcada distancia entre los pocos privilegiados que tienen acceso a la alta cultura y el resto de nosotros mortales.
Así pues, los artistas se han visto forzados a buscar nuevas formas de hacer accesible económicamente sus obras a una mayor cantidad de compradores, pero aún más importante, han tomado conciencia de la responsabilidad que recae en sus hombros y han abierto nuevas vías de comunicación y difusión de sus inquietudes, no solamente estéticas, si no de reflexión ante una realidad plagada de injusticias y falta de integridad que atañen a todo ser humano que conforma la sociedad actual, adoptando a la cultura urbana y el arte callejero como la plataforma ideal para su lucha social y su protesta política, convirtiendo su mensaje en muy variadas formas de vida que conjugan todas las artes para articular su punto de vista con lo que los rodea.
T- Rex se enfoca exclusivamente en uno de los medios utilizados en este nuevo y extenso panorama creativo en donde el diseño, la moda, la fotografía, el video, la música y la gráfica encuentran su combinación ideal en uno de los soportes mas presentes y accesibles a nuestro alrededor: las camisetas.
La tela de esta prenda de vestir se vuelve una expresión artística que explora la cultura popular llevándola a diversos niveles estéticos, no limitándose a quedar en una moda sino convirtiéndose en acción y registro; en ataque y confrontación directa a referencias establecidas, como un valioso recurso para subvertir y dar sentido a la práctica artística contemporánea, utilizando estampas, dibujos y fotografías para imprimir con humor, agudeza y también, por qué no, cinismo, diversas lecturas del mundo que nos tocó vivir.
La camiseta se convierte en un medio masivo de comunicación de ideas, en donde no existe un público limitado a ser espectador, sino que, por el contrario, es parte activa y decisiva para que se lleve al cabo la acción.
Así entonces el espectador, al identificarse con alguno de los conceptos propuestos y apropiarse de las ideas, se convierte irremediablemente, al portar la prenda elegida, en cómplice del autor.
Mónica Ashida
Perfiloplastia

Flor Bosco , José Apaza, Roberto Barajas ,Juan Jorge Prado ,Gastón Ortiz , Daniel Aguilar / Balbuceo, María Valencia, Alexandro Órnelas , José Luís Pescador, Alejandro López , Cuauhtémoc Velázquez , Antonio Ehrenzweig, Fernanda Chia, Vito Ascencio, Cecilia Gutiérrez, Ricardo Motilla, Pablo Aguilar, Angélica Escárcega, Félix Enrique García Luna, Gustavo Carmona Posada, J.J. Torralba, Nickis, Américo Hernández


Del 30 de julio al 21 de septiembre
Curador: Mario Méndez
Planta baja de la Galería Jesús Gallardo

En colaboración con: La Escuela de Artes plásticas Antonio Segoviano
Terrazo
Pablo López Luz
fotografías.

Del 30 de julio al 21 de septiembre

Curador: Leonardo Ramírez
Sala de Eloísa Jiménez
Más allá de lo que podría parecer un simple y llano comentario social, Pablo López Luz rescata y privilegia el carácter estético de parajes extremos, caóticos y cotidianos. La actividad del fotógrafo se ejerce desde una situación de conocimiento donde el artista no interviene, trastoca o altera la situación encontrada. A la manera de Roni Horn. Su aproximación al paisaje circula alrededor de lo existencial y resalta la experiencia sensible corpórea de nuestra relación con la tierra.

Los sitios son fotografiados desde una perspectiva objetiva que subraya cierta naturaleza microcósmica de autosuficiencia,

Gran parte de los referentes son zonas periféricas, marginales, áreas a las que nadie recurre en busca de un paisaje para conocer o disfrutar, por que es ahí donde la gente sólo sobrevive o transita […]

Itzel Vargas Plata

RUPESTRE
Exposición individual de Ricardo Rendón*

Del 30 de julio al 21 de septiembre
Curador: David Miranda
Casa de las monas

*Ricardo Rendón es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte.

En colaboración con:Galería Enrique Guerrero
RUPESTRE
Exposición individual de Ricardo Rendón

Para un artista, abstraer su visión del mundo mediante el desarrollo de técnicas materiales, formas diversas, y códigos específicos de su entorno para la construcción de obras de arte, es una necesidad vital. Es un acto de genuina bipolaridad entre la atracción y la aversión de su realidad, generando situaciones estéticas paralelas a “eso” que compone su cosmogonía, en búsqueda consiente o por lo general, inconsciente, de una verdad propia. El arte y sus oficios, son un estado tangencial de la vida, en tanto que las obras de arte no representan necesariamente a una supuesta realidad del mundo, generan alternativas del mismo como paralelo de la verdad estable que acordó una sociedad cualquiera, otorgando a las consecuencias resultantes de dicha práctica su justificación como enunciados abiertos. Más que afirmaciones tácitas, las obras de arte deben entenderse como preguntas e invitaciones a múltiples banquetes del conocimiento.

El misterio y la sensualidad de las formas que emite la poética de los artistas, puede relacionarse con las necesidades básicas del hombre en función a su supervivencia física, sensorial, ideológica y sentimental, en un atento cuidado por la vinculación de la historia y lo que proviene de la misma: tradición, lenguaje, estética e identidad. Un ejemplo de ello, son los vestigios formales del artista multidisciplinario Ricardo Rendón (Ciudad de México 1970) quien ha integrado dentro de su proceso artístico la investigación, exploración y desarrollo de oficios tradicionales - carpintería, albañilería, electricidad, y en este caso técnicas provenientes del ejercicio de la peletería - como parte de su reflexión en torno a los procesos involucrados dentro del conocimiento creativo, en una suerte de alquimia simbólica que busca trasformar a la materia prima que utiliza en un ensayo plástico, conectando los límites de la singularidad espacial, física y matérica de su sistema dentro de los lenguajes del arte contemporáneo. La piel como un vehículo de habitabilidad y confort, abrigo y protección, que da a la corporeidad física del hombre categoría humana, en su lucha continúa por su permanencia y trascendencia dentro de su medio ambiente.

RUPESTRE es entonces, un compendio de acontecimientos formales que proyecta a los oficios tradicionales, como análisis antropológico mediante la activación del espacio específico (La Ciudad de León Guanajuato), abriendo una posible reflexión dentro de la tradición artesanal de la urbe y la expansión significativa de las necesidades humanas, a partir de la estética derivada de dichas prácticas evocando la naturaleza de las formas.

David Miranda, verano 2008
Casa de las monas, León Gto. México
1:1 síntomas
Carolina Carrillo Durán
Eduardo Jr. Muñoz de la Torre, Karla Patricia Montoya, Ricardo Luján Peschard, Claudia Ivette Rodríguez, Karina Navarro, Laura Gabriela López, Claudia Pérez Campos

Del 30 de julio al 21 de septiembre

Coordinación: Arq. Reina Loredo Cansino
Arq. Rodolfo Guzmán Mojica
Facultad de Arquitectura, Universidad De La Salle Bajío.
Sala Eloísa Jiménez
Hot shoes

NU, Armando Órnelas Espinoza, Azucena del Pilar MartínezHernández,Humberto Luce Gómez, Ana Cristina Granados Montes, Luís Zared Espinoza Palacios, Lucero Hernández Valadez,,Bertha Ma. Cabeza de Vaca Ibarra, Dirse Tovar, Alma Angélica Goñi Luna, Luís Servando Gudiño López, Ana Laura Román Reveles
Del 30 de julio al 21 de septiembre

Curador: Mario Méndez
Sala 1
Teatro María Greever



Hot delishoes
Octavio Arriola, Miguel Ángel García, Anna Fusoni, Humberto Ruiz, Héctor Galván, Mauricio Limón, Fernanda Labarrieta, Maritza Nasser, Carlos García/ Grupo Sesgo, Rona

Del 30 de julio al 21 de septiembre
Curador: Mario Méndez
Sala 2 Teatro María Greever



Souvenir.
Durmientes, acciones y composiciones


Fotografías para espacios públicos de Juan Carlos Zermeño
Del 30 de julio al 21 de septiembre
Plaza principal, Centro histórico de la ciudad de León, Guanajuato.


Un viaje de mil millas comienza con el primer paso.
Lao –Tsé (570 ac-490 ac)
Filósofo Chino.


Si pensamos en la gran movilidad que en este momento tienen los artistas visuales, viajando a bienales, participado en exposiciones y dictando conferencias. Nos encontraremos con una serie de estrategias que permiten que cada nueva pieza sea planeada desde el diseño minucioso en la libreta de trabajo y realizadas tiempo después en la primera oportunidad que se presenta.

En otros casos, las circunstancias obligan a desarrollar obra en los lugares más inesperados, permitiendo que el ocio, la agudeza y las largas caminatas hagan su parte. La nueva metodología de trabajo para la realización de una pieza de arte ha variado enormemente, de tal manera que la necesidad de un estudio (tal como lo conocemos) o de condiciones especiales se modifican constantemente.

Es desde esta condición de viajero, entendida como el que viaja a un lugar fuera de su entorno habitual y no responde a una actividad remunerada, que el trabajo fotográfico de Juan Carlos Zermeño (León, Guanajuato 1980) se desarrolla basándose en la documentación de acciones realizadas al aire libre y en algunas ocasiones en los lugares que habita fugazmente. Asumiendo su “movilidad” como una ventaja para la conformación de su trabajo.

A partir de pequeñas composiciones in-situ logra descontextualizar una serie de imágenes de apariencia anodina, colocando algunos elementos encontrados frente a su cámara para lograr una especie de registro de una acción efímera que tiene como resultado una imagen que muchas veces hace énfasis en los diseños centrales o circulares.

“Cuando salgo a tomar fotografías generalmente ya estoy familiarizado con el lugar a donde voy , se un poco el tipo de materiales que me puedo encontrar , pero sin quitarle la libertad al azar con el que también me gusta jugar, en algunos casos ya llevo el objeto conmigo para hacer la foto.

Generalmente empiezo a planear una fotografía hasta que tengo los materiales en las manos , necesito estar en contacto con el , mi intención es que la composición y el resultado sea mas visual , trato de que baste con la imagen para evitar un poco la explicación.”

En este sentido que las piezas de Zermeño no pretenden establecer un registro exhaustivo de la realidad o de fotoreportero de pantalón corto y gorrita vaciladora, sino que adquieren un carácter de pequeños souvenirs* que desaparecen físicamente en poco tiempo, pero que registra pacientemente, haciendo de estos una extraña y particular colección de “recuerdos construidos de viaje”.

Leonardo Ramírez
Curador
Julio 2008



*Un Souvenir (del francés, recuerdo) es un objeto que atesora a las memorias que están relacionadas a él. Esto es análogo a la explotación psicologica del condicionamiento clásico. Por ejemplo, si un viajero compra un souvenir en unas vacaciones memorables, él o ella asociarán muy probablemente el souvenir a las vacaciones. Recordará ese momento especial cada vez que él o ella miren el recuerdo.El término se utiliza para los artículos traídos al hogar de lugares turísticos. Tales artículos están marcados a veces o grabados para indicar que su valor es sentimental más que práctico.
Fuente: Wikipedia, la enciclopedia Libre.
http://es.wikipedia.org

memoria

nuestras expos anteriores

nosotros


Juan Meliá Huerta
Director del Instituto Cultural de León

Mario Méndez
Director de desarrollo en las artes





Leonardo Ramírez
coordinador de artes visuales
Pablo Martínez
Administración y relaciones públicas

Irazú Páramo
Servicios educativos


Edmundo Castro
Museografía


Esther Jaime Gutiérrez





Carlos Alberto Matínez
guías custodios











nuestros espacios de exhibición

1
Galería Jesús Gallardo
La galería Jesús Gallardo es uno de los espacios del Instituto Cultural de León que cuenta con las mayores posibilidades para la presentación de exhibiciones con altos estándares de calidad, debido a que cubre satisfactoriamente con la mayoría de los requerimientos técnicos y de conservación que una exposición de arte requiere.

Es, en este sentido, un espacio que permite la exhibición de obras de gran valor cultural, con una gran variedad de temáticas. De esta manera podemos considerar este espacio como un lugar de contenidos variables, donde se pueden incluir exposiciones de arte moderno y contemporáneo, arte religioso, proyectos antropológicos e históricos, exhibiciones de diseño industrial y moda entre otros.

Pedro Moreno 202, esquina Hermanos Aldama
Centro Histórico
De martes a viernes de 9:00 a 17:00 horas, sábado de 11:00 a 18:00 horas, domingo de 11:00 a 16:00 horas
General $10.00 pesos, estudiantes, maestros y adultos mayores $5,00 pesos
Domingo y días festivos entrada libre



2
Galería Casa de las monas

Los generosos espacios de esta casona ubicada en el centro de la ciudad de León, han permitido la realización de los proyectos más propositivos de jóvenes creadores, los muros altos y la interacción con el restaurante de la planta baja han hecho de este lugar, un espacio en el que los jóvenes se sienten particularmente relajados.

Podemos ubicar a la galería casa de las monas como un espacio donde podemos programar proyectos para jóvenes, con la presentación de las más diversas exposiciones de arte contemporáneo de artistas con carreras destacadas en el ámbito nacional e internacional.

5 de mayo sin número primer piso
Zona peatonal
Centro Histórico
De martes a sábado de 11:00 a 18:00 horas, domingo de 11:00 a 16:00 horas.
ENTRADA LIBRE


3
Galería Eloísa Jiménez

Este es uno de los espacios más visitados y populares del Instituto Cultural de León. Debido a su excepcional ubicación, las salas permanecen abiertas todos los días de la semana tomando en consideración que los contenidos temáticos programados en este lugar están enfocados en muchas ocasiones a temas populares y tradicionales, incorporando frecuentemente exposiciones de arte contemporáneo y experimentos lúdicos.

Portal delicias s/n
Zona peatonal
Centro Histórico
De lunes a domingo de 10:00 a 14:00 horas y de 16:00 a 20:00 horas
ENTRADA LIBRE

4
Galería del Teatro María Grever

Estos dos espacios han servido de manera constante para la exhibición de los trabajos de pequeñas dimensiones de artistas locales y de los alumnos de los talleres artesanales de la casa de la cultura, nuestra programación se ha ido encaminando a que este espacio no sea solo un foro de primeros proyectos , sino a ser un espacio que permita la creación de exposiciones que aporten una experiencia significativa a la carrera de los noveles creadores.

Alvaro Obregón 217
Centro Histórico
De martes a sábado de 9:00 a 17:00 horas, domingo de 11:00 a 16:00 horas
Entrada libre

¿quienes somos?

Desde hace más de 15  años el Municipio de León, Guanajuato ha realizado una intensa labor en la promoción del arte y la cultura, desarrollando una serie de programas y contenidos que han permitido la creación de los más diversos productos culturales.

Una de estas iniciativas fue la creación de las salas de exhibición de arte Jesús Gallardo. Proyecto que ha privilegiado la interacción de la sociedad con el arte y la cultura universales, y que gracias a su permanencia y trabajo ha consolidado una labor que existía de manera muy incipiente en la ciudad, logrando incorporar a la vida cotidiana del municipio y del estado una serie de actividades que han nutrido de manera productiva a la comunidad .

La propuesta de la coordinación de Artes visuales no se ciñe sólo a la operación de proyectos que se producen desde otras instituciones culturales, sino a la generación de contenidos, a la definición de estrategias para lograr una mejor penetración con el público que asiste a nuestros eventos, así como a la profesionalización y especialización del personal. Estas acciones redundaran en un tiempo relativamente corto en un mejoramiento en la calidad de los servicios que el Instituto brinda a la sociedad civil.

Somos una coordinación dependiente del Instituto Cultural de León, y nos dedicamos a la producción, programación y difusión de las artes visuales que se llevan a cabo en la ciudad de León Guanajuato.

Contamos con cinco espacios para la producción de proyectos expositivos y son:

Galería Jesús Gallardo, La galería Casa de las Monas, la galería Eloísa Jiménez, la galería del Teatro María Grever y el patio principal de la ex-carcel municipal.

Los exposiciones que realizamos  desde la Coordinación de Artes Visuales incorporan artistas locales en el 70% de los proyectos de cualquier disciplina artística, promoviendo, visibilizando y profesionalizando las carreras de los artistas de la región.

¿Cómo logramos esta  profesionalizar las carreras de los artistas?

Encontramos en la revisión de portafolios y el intercambio de experiencias con colegas de áreas afines, la posibilidad de intercambiar información (artistas, críticos, curadores y promotores), así como la visita a talleres, acervos de coleccionistas privados e institucionales y la atención personal en las oficinas de artes visuales de los productores que cuenten con el siguiente material:

Carpeta de artista que contenga:
Curriculum vitae
Textos críticos que aborden la obra del artista
Notas de prensa
Fotografías de obra
Premios y reconocimientos
Obras en colecciones locales o nacionales
Dirección de página web, blog o fan page en facebook

Esta información nos facilitará el  análisis objetivo de la obra y determinará si es posible incluir el trabajo que presenten documentalmente, en alguno de los proyectos que hacemos anualmente. En todas las revisiones de carpetas que realizamos desde la coordinación de artes visuales se encontrarán presentes el coordinador general de artes visuales del ICL así como la curadora adjunta y encargada de servicios educativos de CAVI.

Es importante mencionar que NO ES NECESARIO MOSTRAR OBRA ORIGINAL, hasta que hagamos una solicitud oficial de alguna pieza(s) en particular y para un proyecto en específico.

Para la coordinación de artes visuales es de suma importancia impulsar una generación de artistas que pueda encontrar un nicho de movilidad en el competido mercado del arte, apoyados en una serie de experiencias profesionales que garanticen la continuidad de su labor creativa.


Si te interesa mostrarnos tu trabajo, envía un correo electrónico a artesvisualesicl@gmail.com para que podamos agendar una cita y tengamos el tiempo suficiente para ver tu producción reciente. Es significativo mencionar que damos prioridad a materiales que estén debidamente organizados y que es imprescindible que realices tu cita con una semana de anticipación, ya que por motivos de atención al público y grupos que visitan las salas de exposición, así como por trabajos de organización y logística de los siguientes proyectos expositivos, no podemos atender a los creadores en horarios no calendarizados o en visitas no planeadas, esta política de atención facilita la organización de tu tiempo y te permite preparar tu material, agradecemos tu comprensión.